martes, 6 de octubre de 2015

El crudo aliento del silencio.

Hacía mucho tiempo que no me daba el tiempo para escribir una opinión con respecto a una película, pero es que realmente no me había sentido tan motivado para llevarlo a cabo, honestamente llegué a considerar que el cine cruzaba por un gran vacío de contenidos o una especie de crisis basada en los certámenes de alfombras rojas y grandes outfits, que sólo buscan enaltecer los egos de los cineastas, dejando de lado que el cine no tiene necesidad de gloriarse con estatuillas de metal.

Hay películas que simplemente no logran articular un discurso coherente, que se pierden en un tratamiento formal sustancioso y que dejan de lado las grandes narraciones que se basan en la presentación honesta de una historia, comprendiendo las bases discursivas genéricas del sistema actual y buscando refrescarlas. En gran parte, gracias a esto es que se han dado muchos movimientos de ruptura en el arte. El cine hace un tiempo que no ha forjado un movimiento como tal, pero sí una generación de cineastas que buscan llevar a cabo una re-estipulación del cine, basado en la experimentación de los elementos clásicos de éste, con algunas variaciones bien pensadas, que permitan la elaboración de productos de gran calidad tanto discursiva como formal.

Apenas el día de ayer, tuve la oportunidad de ser testigo de The Tribe, ópera prima del cineasta ucraniano Miroslav Slaboshpitsky. Una obra que se agradece por ser una de esas poquísimas películas que se convierten en experiencias, que a base del valor, el conocimiento y la elegancia, desarrollan una cinta estrepitosa que simplemente no le permite al espectador escaparse de una realidad agresiva pero contrastada con un cuidadoso tratamiento lleno de elegancia.

The Tribe comienza con una interesante advertencia "The film is presented entirely in sign language, without any subtitles or translation of dialogue". Una advertencia que a simple vista se puede pensar bajo dos primeras teorías: Una película pretenciosa que busca por medio de una experimentación del lenguaje aprovecharse de su "frescura" o Una película que tiene que buscar por todos los medios audiovisuales solventar la falta de lenguaje de manera inteligente a lo largo de 126 minutos.
Por suerte la respuesta fue la segunda, logrando una maravillosa impresión en mi, y permitiendo que comprenda que existen temas que no necesitan una traducción ni una explicación verbal para entenderse y mucho menos para disfrutarse.

Como lo he mencionado previamente, la cinta es una ópera prima, por lo que ya tiene un nivel de riesgo impreso implícitamente. Pero también cabe mencionar que todos las personas que actúan en ella, realmente son actores sordomudos que no contaban con experiencia en la pantalla grande, pero que desarrollan una actuación fuerte y honesta que formula una estipulación de lenguaje a base de expresiones, comportamientos y manifestaciones corporales que no dan pauta a la condescendencia o la lastima, sino por el contrario, se crea un contraste que vincula al espectador pero arremete en todo momento contra él, y que re-plantea la apreciación de temas como la violencia, el amor, la venganza, la ira, las drogas y la desesperación, entre muchos otros.


Es más que evidente que gran parte de la fuerza de esta cinta también cae sobre la fotografía de Valentyn Vasyanovych quie desarrolla una formula que combina el dinamismo, la delicadeza, el control, conocimiento y la transgresión a partir de encuadres que te sitúan, pero que también te desorientan. Por medio de planos-secuencia nos hace flotar con elegancia por una realidad inclemente y desesperanzadora dejando entrever la carga de violencia necesaria para disfrutar/estremecer por lo que la falta de diálogos deja de lado.

Podría decir que la historia se basa en una sencillez que conecta con la universalidad de su discurso, en donde la violencia y la decadencia se vuelve entendible sin la necesidad de diálogos. Pero, considero que lo más valioso del ejercicio de Slaboshpitsky en The Tribe, es la constante incitación y provocación del espectador. Quien trata de comprender las situaciones que se desarrollan en pantalla, con una complementación activa, ayudado de cada uno de los elementos audiovisuales que se entrelazan sin dejar de lado los detalles que dan fuerza a cada acción, hasta llegar a un certero y aplastante final.

Mauricio O.

domingo, 23 de febrero de 2014

Nos mudamos...

Durante los últimos 6 años hemos estado trabajando para llevarles a ustedes opiniones e información general sobre el cine en Guadalajara, hemos tenido rachas malas y rachas maravillosas, siempre buscando mejorar para ustedes y con ustedes y ahora es el momento de mejorar una vez más.

En nombre del equipo y trabajo de Cuadro x Cuadro, queremos agradecer a los que nos leen, comentan y participan con nosotros, Y queremos invitarlos para que lo sigan haciendo. Pero esta vez nos vemos en...



En donde tendremos mucha más información, reseñas, notas, festivales y desde luego sin perder lo que sucede en nuestra ciudad.. 

Nos comprometemos a que esto es un paso grande para mantenerlos informados sobre lo que acontece en el mundo del cine. 

No nos dejen de visitar también en:



¡Que sigan los rollos corriendo, celebremos las estatuillas y compartamos nuestra pasión por el cine!. 





Atentamente

Mauricio Orozco 
Director Editorial CxC

viernes, 21 de febrero de 2014

Los bloques animados

Normalmente las películas de animación se ligan directamente con el factor infantil.Sin embargo son muchas las cintas que se enfocan tanto en gustarle a los pequeños que descuidan a aquellos adultos amantes de las cintas realizadas bajo técnicas de animación.

Llega a la pantalla "The Lego Movie" (acá se encuentra bajo el título "Lego: La película")dirigida por Phil Lord y Christopher Miller, quienes ya habían hecho dupla en la cinta "Cloudy with a chance of metballs" (Lluvia de hamburguesas), también animada.

Una animación impresionante, donde se deja ver el dominio sobre la técnica stop motion, y la utilización, casi total, de los bloques de colores de la internacional firma de origen danés que le dan el nombre. Sin duda esto es lo más impresionante que encontraremos en los 100 minutos de duración. 

Ya que la historia, adaptada a guión por Phil Lord y Christopher Miller, se vuelve un relato de superación personal y lucha melodramática contra los sistemas establecidos, con un final predecible y lleno de personajes nada complejos. Pero sí con situaciones cómicas basadas en irreverencia y simplismo aptas para pequeños y adultos. Acompañado de un sin fin de personajes famosos prestados de otras cintas de la firma Warner Bros, tales como Batman, Gandalf, Han Solo, etc.     

Al principio comienza como una interesante crítica al mismo modo de vida que la mayoría que la gente de ciudad tenemos, hace referencias a la programación basura de la televisión, a los hábitos de consumo, la indiferencia total y el manejo de la sociedad mediante a juegos mediáticos que esconden malos manejos de poder. Sin embargo conforme avanza la cinta, esto se diluye, volviéndose una película fantasiosa llena de salidas basadas en la casualidad y el positivismo.   

Desde luego que no será raro no encontrar una sola sala en nuestra ciudad con la película en su idioma original (inglés), sin embargo es notable el trabajo de doblaje, en donde se adaptan las expresiones y bromas a un nivel divertido sin perder el fondo original. 

La música por su parte, se podría tomar como una verdad forma de incomodar al espectador. Es molesta tanto la letra como la melodía (tanto en español como en inglés). Aunque podríamos (quizás) justificarla como un reflejo del contexto en el que se desarrolla el personaje principal, Emmet. 

En general "The Lego Movie" es un deleite visual, la animación vale la pena mucho si se tiene en cuenta que está compuesta en su mayoría de bloques de construcción de juguete y animada por medio de millones de fotografías. Sin embargo es una lastima que sea una película que se pierde en el camino y soluciona la narración por medio de procesos muy sosos, casualidades y alargando secuencias innecesariamente, seguramente para hacer alarde de la forma en que ha sido realizada. 

La decisión es de ustedes. Acá les dejamos el trailer para que se den una idea de lo que verán.



Mauricio O.

Imagen: www.cinemasalem.com 
video: www.youtube.com/trailers SpainTv

miércoles, 23 de octubre de 2013

La Gravedad aplicada


Llega a las salas mexicanas la tan esperada cinta "Gravity" (Se le encuentra en México como Gravedad) del realizador mexicano Alfonso Cuarón (The Little Princess, Children of men, Y tu mamá también). Una cinta que había sido sumamente esperada por el público y la crítica por la información que iba creando una expectativa enorme... y que no sería defraudada. 

El realizador mexicano hace un despliegue de conocimientos y técnicas que abonan a la creación de una obra cinematográfica completa, con mínimas pretensiones, guardando lo básico del cine de ciencia ficción y aderezando con un constante suspenso que se respira como si fuéramos el personaje principal. Sin embargo, Gravity no es una película más que se deja llevar por los efectos especiales y la utilización del 3D, sólo por ser la gran tecnología de moda. Y como ya todos lo han hecho, me voy a dar el lujo de resaltar el maravilloso trabajo de Cuarón en el bellísimo plano secuencia inicial de casi 20 minutos, donde todo fluye, se desarrolla la presentación de personajes, se crea el conflicto y comienza la acción y el suspenso con un montaje exquisito y sin la necesidad de realizar un sólo corte. Para los que amamos el cine, este comienzo seguramente cumplirá con todas sus expectativas visuales.       

Un guión que corre a cuenta de Alfonso Cuarón y su hijo Jonás Cuarón (Año uña), donde se cuenta una emocionante historia en el espacio que denota el diminuto tamaño del ser humano y la insignificancia del mismo. Sin defectos significantes, cuidando minuciosamente detalles para crear una atmósfera propia y dándose el lujo de incluir homenajes a grandes historias de ciencia ficción que han desfilado por las pantallas grandes. 

Es curioso ver como actriz principal a Sandra Bullock (Miss congeniality, The blind side, Crash) donde como actriz no ofrece nada especial, más que su encanto natural, ayudado de una magnifica dirección y un diseño sonoro que incluso me atrevería a decir que la dejan ver bien. Sin embargo, si nos ponemos a ver detenidamente su actuación es lineal e intrascendente.  

Y por otro lado podemos ver a George Clooney (The descendents, Up in the air, Ocean´s eleven), haciendo el magnífico papel de George Clooney, sonriendo, teniendo carisma y siendo encantador. Obviamente también brilla gracias a la buena utilización que le da la dirección que lo hace entrar a la perfección en el universo de "Gravity".  

Pero no todo es la magnífica dirección de Cuarón, también se tiene que aplaudir el trabajo del cinematografo mexicano Emmanuel Lubeski (To the wonder, The tree of life, Burn after reading), quien después de siete años vuelve a trabajar con Cuarón haciendo un trabajo impresionante por medio de sus encuadres y la mancuerna que se crea entre el y el director, que nos deja ver un resultado excelente. 

Y aunque es más que bien conocido que en el espacio no hay sonido, si podemos ver en este cinta la presencia de Steven Price (Lord of the rings, Scott Pilgrim vs. the world, Batman begins), quien se encarga de hacer un trabajo musical que no sólo llega a crear ambientación con las melodías, sino que otorga sentimientos a las secuencias y juega con las reacciones del espectador.
  
En general "Gravity" es una película para todos los públicos, ya que no peca de película de "arte" con pretensiones y exigencias necesarias para con el público, y puede ser comprendida y disfrutada por cualquiera, pero tampoco cae en el éxito comercial en todo su esplendor, ya que aquellos clavados en el cine de ciencia ficción podrán disfrutar de pequeños gestos que aluden a películas históricas del género.

Una gran cinta, estremecedora y con muchas lecturas, pero sobre todo con un despliegue de tecnología y estética visual moderna en cantidades perfectas, para no llegar a descuidar la historia, que quizás no será la más profunda, pero si contiene una fuerza especial. 

Pero como siempre, ustedes tienen la última decisión, acá les dejamos el avance cinematográfico para que se den una idea de lo que hablamos. 



Mauricio O. 

Imagen: www.altavoz.pe
Video: www.youtube.com/CinesconditeRises

sábado, 21 de septiembre de 2013

El cine mexicano que no caduca

Llega a las pantallas de nuestra ciudad "Fecha de caducidad", el largometraje ópera prima de Kenya Márquez. Es una película realizada en la Zona Metropolitana de Guadalajara envuelta en una atmósfera llena de secretos, y eventos que van entretejiendo una obscura comedia de suspenso. Fecha de caducidad se ha hecho ya a varios premios internacionales, entre los que figuran los festivales de Huelva, Miami y Moscú.

La dirección de Kenya Márquez es intrépida, crea un dinamismo entre la dirección y las imágenes en pantalla que juega mucho con las expectativas del espectador. 

El guión corre a cargo de Kenya Márquez y Alfonso Suárez, donde nos cuentan una historia sencilla, que se va conformando desde la perspectiva de tres diferentes personajes que cruzan sus destinos por un motivo desagradable. Cuenta con una narración sencilla, pero llena de detalles que se dan el lujo de sorprender con un final inesperado. 

Los personajes son maravillosos, pensados en un contexto desagradable, envueltos en la frialdad de una ciudad que se muestra en casi todos sus momentos vacía. Sin embargo deja muchos puntos sueltos en los personajes que deja en cierta medida un pequeño vacío y la necesidad de querer saber más. 

La actuación de Ana Ofelia Murguía (Las buenas hierbas, Arráncame la vida, Párpados azules) es maravillosa, una mujer de avanzada edad que se vuelve camaleónica dentro de la cinta jugando con los contrastes que su personaje le permite.

Damián Alcazar (El infierno, La Ley de Herodes, Un mundo maravilloso) como siempre deja entrever su profesionalismo actoral dentro de un personaje profundo y grotesco, lleno de detalles exquisitos que hacen que  se vuelva la víctima y el victimario. 

Marisol Centeno (Bacalar, Lluvia de luna, La última mirada) hace una buena actuación, no muy sobresaliente, pero no deja de ser discorde con la película, se ve que puede dar mucho más y por eso se siente un poco débil su papel.  

Entre los tres crean un ambiente lleno de suspenso, pero también algunos detalles obscuros que se sienten muy divertidos a pesar de que la película no es propiamente una comedia. 

Algo que me voy a dar el lujo de destacar es el maravilloso diseño de arte de la cinta. La dirección de arte de la película corre a cargo de la realizadora Sofía Carrillo, quien no sólo pone un toque de obscuridad, antigüedad y putrefacción en el ambiente de la cinta, sino que, para los que vivimos en Guadalajara podremos apreciar que hace de la ciudad un set, con una atmósfera fría como si se tratará de otro lugar.  

Sin lugar a dudas no es la mejor película mexicana del año, y cuenta con varios errores, pero es una película que se disfruta mucho y que vale mucho la pena ver por su fuerza en la dirección, las actuaciones y en el ambiente que va formando a lo largo de los 111 minutos de duración que además le da la característica de que no le otorga una fecha de caducidad.  

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que tengan una probadita de "Fecha de Caducidad".


Mauricio O.
@Eralvy

Imagen: www.elseptimoarte.net 
Video: www.youtube.com/canalnuevaerafilms

martes, 3 de septiembre de 2013

El amor Antes del anochecer

El realizador estadounidense Richard Linklater (Scanner Darkly, Before sunrise, Before sunset) estrenó su película "Before sunrise" (Antes del amanecer) en 1995, en su momento fue una increíblemente bella historia de amor renuente con una simplicidad en el desarrollo narrativo que te envolvía con diálogos inteligentes, y una pareja transparente con el amor como estandarte para emprender una aventura fílmica de apenas una noche.  9 años más tarde la pareja de Celine (Julie Delpy) y Jesse (Ethan Hawke) se reencuentran en "Before Sunset" (Antes del atardecer) para una segunda muestra de romanticismo, una caminata entre recuerdos y confesiones que acercan a la pareja remisa al amor fugaz. Después de casi una década de separación (y con el público también) Richard Linklater nos presenta "Before Midnight" (Antes del anochecer) donde vuelve a reunir a la pareja, ahora con dos hijas, un evidente envejecimiento y una relación formal creada a partir de su romántico primer encuentro y sus diferencias que los vuelven locos y desataban las discusiones más acaloradas en las entregas anteriores pero donde el amor continua siendo el hilo conductor para llevar al espectador a través de una caminata entre recuerdos y los bellos paisajes de Grecia.

Una trilogía envuelta en una idealización del amor e ilustrada en la vida de una pareja que se sumerge en un encuentro romántico de jóvenes y terminan en una clara relación madura donde los problemas van evolucionando junto con ellos. Una historia que a pesar de seguir el mismo modelo narrativo simple donde todo el tiempo vemos a los personajes hablar y andar juntos nos hacen formar parte de un relato muy cercano, una relación directa y honesta para con los personajes creando un enamoramiento entre el espectador y la pareja.  

La historia que comenzó hace 18 años con un Ethan Hawke (Before sunrise, Before sunset, Gattaca) joven, desaliñado y aventurero y una July Delpy (Before sunrise, Before sunset, Broken Flowers) bellísima, sensual y romántica nos muestra ahora una pareja de actores maduros dando vida a los personajes hechos a su medida, que se vuelven entrañables y que crean una pareja irremplazable que le dan vida y alma a la película.   

Definitivamente es una película que vale mucho la pena ver, se puede disfrutar mucho si no se conocen las dos partes previas de la historia, sin embargo se vuelve una experiencia plena de romanticismo y entrega cuando somos conscientes de los hechos de las dos historias previas, con el solo fin de poder disfrutarla en todo su esplendor y poder conocer, la historia de la pareja a lo largo de los años, pero también para conseguir esa cercanía inevitable para con ellos y para con la muy particular manera de expresar su amor.Sin embargo no es una película romántica simplemente, es importante mencionar que tiene una realización espectacular y un desarrollo narrativo nada complejo basado en la evocación de los recuerdos y en las reacciones y la participación activa del espectador. 

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que se animen a finalizar esta romántica trilogía


Mauricio O.

Imagen:
Video: www.youtube.com/diamondsfilmschile


lunes, 26 de agosto de 2013

El amor de la vida

Terrence Malick (The tree of life, The thin red line, Badlands) nos dejó sin aliento en el 2011 con "El árbol de la vida", cinta en donde trabajo ayudado del mexicano Emmanuel Lubezki para crear una magnifica obra donde por medio de imágenes, sonidos y secuencias llenas de ritmo dejaban plasmados sentimientos, emociones y experiencias sensoriales. 

Es hasta ahora, en el 2013 (aun cuando la cinta se estrenó a nivel internacional en el 2012), cuando el par Malick-Lubezki vuelven a trabajar juntos para aplicar algo que pareciera "El árbol de la vida 2", movimientos de cámara, encuadres, secuencias, e incluso en cierta forma la música. Sin embargo existe una gran diferencia: la historia. 

"To the wonder" es una película que sin duda guarda su discurso más importante en la manera en que aborda el tema del amor, las relaciones de pareja, las problemáticas que conlleva y las reacciones más habituales que presentamos los seres humanos. Aplica el mismo estilo "libre" en su realización reforzando con imágenes los diálogos muy bien creados, con frases elocuentes, y que en su mayoría están concentrados en el personaje de Bardem, pero que funciona como narrador, inclusive cuando las tres historias principales no guardan la misma temática.

Las actuaciones en esta ocasión van a cargo de la bellísima Olga Kurylenko (007:Quantum of Solace, Seven Psychopaths, Oblivion), el reemplazable Ben Affleck (Argo, The town, Good Will Hunting) que no aporta nada sustancial al personaje ni a la cinta.

Javier Bardem (Mar adentro, No country for old men, Skyfall) hace una actuación que quizás no es el papel en el que más ha brillado, sin embargo se nota que sus enormes capacidades de actor lo hacen un personaje importante incluso en papeles "pequeños".  Y Rachel McAdams (Midnight in Paris, Sherlock Holmes, Mean girls) que simplemente.... bueno, descuiden ella sólo aparece escasos minutos.

Es una cinta de casi dos horas de duración, pero que en verdad vale la pena poner mucha atención a la manera en que se desarrolla la cinta y comprender el tema desde el inicio para de esa forma poder lograr entablar conversación con entre el espectador y la cinta a lo largo de sus 112 minutos de duración.

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que tengan idea de la magnifica cinta que podrán disfrutar.


Mauricio O.

Imagen:
Video: www.youtube.com/ cinesconditerises