Vuelven las marionetas

Después de tantos años James Bobin se dio a la tarea de devolvernos a la pantalla grande a un grupo de personajes que le causaron risas y diversión a miles de personas hace unas décadas. Sin duda me refiero a las marionetas más conocidas del mundo "The Muppets".

Kermit, Mrs. Piggy, Gonzo, Animal y otro montón de personajes vuelven a la pantalla grande bajo el guión de Jason Segel quien además se queda con el personaje principal para hacer una comedía de lujo, con tintes del pasado y con una infinidad de diversión como en aquellos viejos tiempos.

Para aquellos que temen ir a verla en español porque no es tan fácil (y casi imposible) encontrarla en idioma original en México, no se preocupen, el doblaje no es malo, es muy acercado al original, las canciones también están traducidas pero se acercan mucho a lo que se escucha en inglés y sinceramente los chistes se respetan muy bien, aunque algunos si se adaptan a nuestra cultura.

Es una película que a los viejos amantes de estos personajes sin duda los amarrará el romanticismo de volver a ver a nuestros amigos coloridos volver a presentar un show que guarda los estándares del show de los años ochenta, pero para los pequeñitos no cabe duda que es una película que los va a contagiar de diversión y que sin duda les sacará más de una sonrisa con su sano y buen humor.

Como en el pasado, los invitados especiales no pudieron faltar y las luminarias desfilaron junto a la rana más popular del entretenimiento, personalidades como Amy Adams, Chris Cooper, Alan Arkin, Jim Parson, Emily Blunt, Whoopi Goldberg y Neil Patrick Harris, entre otros, fueron de los que desde un personaje o hasta una aparición de segundos pudieron lograr en la cinta.

La música es una maravilla, es de esos soundtracks que te hacen vivir las historias con tan sólo escucharlos y no cabe duda que refuerzan y apoyan lo que estamos viendo, además de que para mi gusto hasta las canciones guardan cierta comedía y una nostalgia deliciosa y muy fiel a lo que se podía ver en los Muppets de la década de los ochenta.

Es una película que a los amantes de estos singulares personajes una vez más nos robaron el corazón y más de una risa ensordecedora y a los posibles nuevos amantes seguro les harán pasar un muy buen rato, una película totalmente recomendable.

Acá te dejamos el avance para que te des una idea de lo que podrás ver en la cinta:

Mauricio O.

Imagen: www.filmsteak.com

Video: Youtube.com

Llega el cine de "Las contemporáneas"

Se llego el día, hoy inicia el FICA

Del 4 al 10 de noviembre vamos a tener una oportunidad muy interesante en nuestra ciudad, se acerca a nosotros la primera edición del Festival Itinerante de Cineastas Americanas (FICA). Este festival presentará 21 largometrajes entre ficciones y documentales además de que nos tiene muchas sorpresas para los seis días de su duración.

Laboratorios de arte y lenguaje, eventos especiales y encuentros con cineastas, son otras de las actividades paralelas a las proyecciones que se llevarán a cabo en el marco de este festival, donde las protagonistas, desde luego, serán mujeres americanas.

La cartelera puede ser consultada en la página de cinepolis, ya que estará apoyando poniendo a disposición algunas salas de Centro magno y Ciudadela Lifestyle.

También podremos ver más información en la página oficial, de donde incluso se podrá descargar el programa, al igual que en la cuenta de Twitter oficial y en la página del Cineforo de la UDG.

Los precios de los boletos estarán muy accesibles para que no nos perdamos de está grandiosa oportunidad.

Es una muy buena recomendación, ya que el material elegido para ser presentado es de muy buena calidad, con una visión diferente a lo que ya estamos tan acostumbrados.

Un guardia peculiar

El director de origen inglés John Michael McDonagh nos presenta su opera prima titulada "The Guard" una comedia muy peculiar con un humor particular que para algunos podría ser un tanto obscuro y ofensivo, pero si particularmente te atrae la comedia típica inglesa, esta película te parecerá una maravilla y una muy divertida cinta.

La historia es muy sencilla pero está llena de detalles que hacen que resalte y que te lleve en un estado emocional placentero, si es que te gusta el tipo de humor un poco exagerado, sino te parecerá todo lo contrario; una película grosera, racista, llena de bromas pesadas e incluso tonta.

La historia puede que sea boba, sin embargo no es mala, tiene una estructura muy consistente y aprovecha la situación actual mundial haciendo una crítica sería por medio de la comedia.

Las actuaciones principales corren a cargo deBrendan Gleeson, Don Cheadle y Mark Strong, quienes por medio de maravillosos diálogos y situaciones extrañas te van guiando por el camino de la diversión.

La fotografía es muy buena y juega mucho con los escenarios y las situaciones, los colores que se manejan van muy de la mano con la composición y no se deja un detalle sin descuidar a pesar de que al principio no pareciera no ser una película con un gramo de seriedad porque las bromas comienzan desde el primer segundo.

Los personajes valen mucho la pena porque están muy bien construidos y juegan con perfiles que también hacen una crítica a algunos estereotipos sociales.

Es una buena comedia, si eres seguidor de las comedias con un poco de acidez en su humor. Si aun después de esto les queda alguna duda si verla o no, les dejamos el trailer, para ver si así si se animan.

Mauricio O.

Imagen: www.wildaboutmovies.com

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Tenemos que hablar de "We need to talk about Kevin"

Estoy casi seguro de que los jueces del Festival Internacional de Cannes de este año debieron haber tenido una enorme dificultad para otorgar la palme d'Or al tener que elegir entre "The tree of life" del director estadounidense Terrence Malick y "We need to talk about Kevin" de la cineasta escocesa Lynne Ramsay, directora de cintas como "Ratchacher" y "Morvern Caller".

En esta ocasión nos trae una maravillosa opción para poder disfrutar del cine a niveles superiores de lo común.

Con la ayuda de Rory Kinnear, ambos lograron adaptar el guión de la cinta basada en la novela que lleva el mismo nombre del escritor norteamericano Lionel Shriver, logrando un resultado espectacular que sin duda te dejará con la boca abierta.

Como siempre no quiero arruinar la trama de la cinta por aquellos que no han disfrutado de ésta, trataré de tocar aspectos muy generales, pero que ayuden a emocionar por lo menos un poco a aquellos que estén interesados o dudosos de ver esta cinta, ya que lo que pretendo es contagiar la maravillosa sensación que me otorgó esta película.

Sin duda el cine está hecho de un sin fin de elementos que van haciendo más firme un producto, y eso es lo que hace que una cinta tome fuerza. Este es el caso de "We need to talk about Kevin". Es una cinta que te atrapa con el uso de encuadres, colores, sonidos, montaje, diálogos, actuaciones, símbolos, incluso con datos e imágenes que son TAN evidentes que no lo vemos.

En la cinta podemos disfrutar de las maravillosas actuaciones de Tilda Swinton, quien para mi gusto realiza uno de las mejores interpretaciones en su carrera artística y se nota en un papel que sin duda se adapta a ella como si hubiese sido escrito específicamente pensado en ella. La aparición de John C. Reilly, aun que es mínima, realiza un maravilloso contraste con el personaje que interpreta Swinton. Pero los que también se llevan las palmas son el actor Ezra Miller y la pequeña actriz Ursula Parker, quienes realizan una actuación que le da mucho más fuerza a la parte culminante del largometraje.

La fotografía corre por parte de Seamus McGarvey, quien lo hemos visto trabajar antes en producciones como "High fidelity" de Stephen Frears y en "The hours" de Stephen Daldry. En esta ocasión realiza un trabajo impresionante que no sólo hace notar su maravilloso dominio de la fotografía e iluminación sino que además apoya significativamente a la trama y llena de poder a las escenas, dejando la sensación de plenitud por la calidad de trabajo y la perfecta sintonía con la trama que se plantea.

La música de Jonny Greenwood juega de igual forma un papel importantísimo, que quizás no realice un soundtrack que escucharías una y otra vez, pero les otorga una fuerza aplastante a las situaciones más emocionales.

La edición que realiza Joe Bini logra que la película llegue a ser una maravilla cinematográfica, ya que la estructura no es sencilla, al contrario, es una estructura que si le pierdes el hilo por un minuto puede dejarte atrás por un momento, logrando una confusión inmensa que sin lugar a duda podrás recuperar pero de una manera con la cual no tan enriquecedoramente podrás disfrutar al cien por ciento la cinta.

Les dejo el trailer para ver si los atrae más que mis palabras, no duden en ver esta cinta, es una muy buena opción para disfrutar de una película que te llevará en una montaña rusa de emociones.

Mauricio O.

Imagen: www.twentyfourbit.com

Video: www. youtube.com

9 años de proyectar la cultura

Actrices guapísimas, actores que arrancan suspiros, leyendas del cine compartiendo sus experiencias, multitudes de amantes del cine formados afuera de las salas de cine, prensa cazando famosos.... Esto y más es el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Uno de los festivales más reconocidos de nuestro país e incluso del mundo de Esto Se llego la hora de la novena edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, este año se vino cargado con muchos estrenos de largometrajes y cortometrajes, tanto nacionales como internacionales, documentales maravillosos e invitados de lujo (como siempre).

Este año los organizadores del FICM se lucieron y nos trajeron cintas maravillosas de reconocidos cineastas internacionales que hoy por hoy se han convertido en leyenda dentro del ámbito cinematográfico, hasta nuevos talentos que están surgiendo en nuestro país.

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En esta ocasión las calles de la hermosa ciudad de Morelia se ha visto engalanado con la presencia de personajes como el director húngaro Béla Tarr (Damnation, Sátántango, etc), el diganadora ganador de la palma de oro por "El tambor de hojalata", Volker Schlöndorff. Además los primeros días del FICM 2011, pudimos deleitarnos con la presencia de dos "Chicas Almodóvar" la guapísima Elena Anaya y la elegante Marisa Paredes.

En esta edición del festival se realizó un homenaje al actor mexicano, Damián Alcazar y la Filmoteca de la UNAM honró al realizador Volker Schlöndorff con un reconocimiento por su trayectoria.

En esta ocasión pudimos ser participes de los primeros tres días de este festival y traemos mucha información sobre algunas películas que NO se pueden perder.

Y si tienen oportunidad de formar parte de esta fiesta dedicada a la cultura, no lo dudes, aun quedan muchas sorpresas y cintas que valen la pena.

Les dejamos acá los links donde pueden encontrar más información:

Página oficial del FICM

Twitter del FICM

Programa oficial del FICM 2011

Mauricio O.

Imágenes:

www.dscuento.com.mx

www.moreliafilmfest.com

www.moreliafilmfest.com

Poniendo “canelita” a México.

Y llega Gerardo Naranjo (director de películas como DramaMex o Voy a explotar) con su cinta que lleva por nombre “miss bala” basada en los hechos que sacudían a México en el año 2008 pero en específico con el caso inigualable de nuestra belleza Sinaloa, Laura Zuñiga, quien fue detenida en ese año por supuestos nexos con el crimen organizado.

De aquí parte nuestra historia, con Laura Ramos ( Stephanie Sigman) quien busca ser miss Baja California pero en el trayecto conoce a uno de los capos del crimen organizado Lino (Noé Hernández) quien tiene cierto interés en ella.

Hay casos que nos estremecen, como los asesinatos en un club, o las escenas con personas fuertemente armadas, que dejan en evidencia la presencia de la policía federal por todo el Estado, y la fractura de un tejido social, que hasta la fecha sigue teniendo un gran impacto en la sociedad mexicana, esto es una de las cosas a destacar de la película, el apoyo periodístico y la concientización que pretende el mismo Gerardo Naranjo poniendo en evidencia la corrupción por parte de un sector de las autoridades y las habilidades con las que cuenta una célula delictiva.

“Canelita” como la nombra Lino, se ve forzada a participar dentro del crimen organizado todo por la búsqueda de una amiga quien también participaría en dicho certamen pero ahora cuenta con el apoyo de este cartel, y claro tiene que colaborar pese a que no ser simpatizante, el costo es grande pero se perfila para ser miss bala, la protagonista de esta trama.

Ahora, hay partes en que el director exagera un poco las escenas, y el montaje se vuelve un poco lento, hay ocasiones en donde las escenas se alargan demasiado, se vuelven tediosas pero de ahí en más es un claro reflejo de lo que sucede en nuestro México contemporáneo y una perfecta representación para poner en evidencia lo que deja esta “guerra contra el narcotráfico”. Ahora los dejamos con el tráiler de la película ¡Disfrútenla y apoyen el cine mexicano!

Diego R.

Trailer: Youtube.com

Imagen: 432magazine.blogspot.com

Un nuevo género llamado space western

Cowboys vs. Aliens, del director John Favreau (IronMan), es una película que te da exactamente lo que te ofrece el título que lleva. No es una nueva maestra del siglo XXI, no vas a encontrar la respuesta a la naturaleza humana en ella… pero es tremendamente divertida.

La historia trata sobre Jake Lonergan, interpretado por Daniel Craig (007 Casino Royale, Camino a la perdición), un cowboy que despierta a la mitad del desierto con amnesia, un brazalete en la muñeca y una herida en el estomago. Viaja al pueblo más cercano en busca de ayuda, y se encuentra en que el pueblo es regido por un rico ganadero ambicioso, interpretado por Harrison Ford (Star Wars, Indiana Jones), que ha puesto una recompensa por la cabeza de Jake que le debe un dinero robado. Las cosas se complican aun más, cuando el pueblo es invadido por “luces voladoras o demonios”, que secuestran a algunos pueblerinos.

La película tiene una gran dirección, sobretodo en las escenas de acción. Cada uno de los actores da un buen papel, y se nota en cámara que todos pasaron un buen rato filmándola. La música se adapta a los géneros clásicos de western y de alguna manera a la “ciencia ficción” o mejor dicho, a las películas de aliens. La historia puede tener algunos huecos en la historia y uno que otro momento raro, aun dentro de lo raro que es la idea, pero a mi en lo personal ninguno que me haya molestado o detenido en el buen rato que pase viendo la película. En el público puede generar diversos efectos, algunos la pueden odiar, no creer ni un solo momento de la cinta y decir “está muy jalada”. Que lo está, pero también puede ocurrir lo contrario, que fue lo que me paso a mi. Entre con bajas expectativas, pero con ganas de ver a cowboys luchando contra aliens y a Harrison Ford, y la película me dio eso y mucho más. Harrison Ford es súper simpático, Daniel Craig un gran actor de acción, Olivia Wilde tan hermosa como siempre y el resto del reparto crean una agradable colección de personajes creíbles y disfrutables, aun dentro de una idea tan rara.

Cowboys vs. Aliens entretenida, divertida, emocionante, bien lograda, buena cinematografía, excelente soundtrack, maravilloso reparto y escenas tan visual y sonoramente impactantes que te hace pasar un buen rato.

Te dejamos el trailer para que te quedes con una probada de la película.

Francisco R.

Imagen: www. twocrankyguys.com

Trailer: Youtube.com

Los monos que me conquistaron

No cabe duda que cuando se espera una película que de antemano se sabe que será una secuela o una precuela de una película que marco un momento de la historia del cine el público espera más que una cinta de efectos especiales o con actores reconocidos.

Cosa que tenía muy clara Rupert Wyatt al momento de decidir filmar "El planeta de los simios (R)evolución" ya que la cinta está muy bien realizada en la mayoría de los aspectos, encabezado por la dirección que va muy de acuerdo a las situaciones planteadas y no es abrumadora, permite respirar cuando es necesario y agobiarte cuando lo amerita.

La adaptación de guión para que cuadre con lo que ya se sabe que pasa en la historia de "El planeta de los simios" (1968), la animación también está muy bien creada y el recurso de usar actores como Andy Serkis para darle vida a Cesar (el simio principal) es deliciosa porque le aporta mucho realismo.

Y ya que nos metimos a la esfera de las actuaciones, vamos desarrollándolo más, ya que si me gustaría resaltar que los actores no sólo se creyeron su papel, sino que lo sintieron de arriba a abajo, James Franco desde algunas películas para acá, en lo personal, considero que ha mejorado mucho su calidad actoral, y una vez más lo hace notorio. Freida Pinto después de trabajar con Woody Allen en "You´will meet a tall dark stranger" y con Danny Boyle en "Slumdog millionaire" demuestra que la experiencia la ha hecho madurar y realiza una actuación que sobresale más allá de un personaje secundario. Pero no sólo ellos, yo la verdad quiero aplaudir con un especial ímpetu a Tom Felton, hace una actuación de antagonista excepcional, tanto que en verdad se vuelve odioso y detestable, no sé si su actuación es parecida en la saga de Harry Potter porque debo aceptar que sólo vi "Harry Potter y la piedra filosofal" lo cual no me da mucho material para comparar. En general las actuaciones van deliciosas con la trama y con la historia.

La música es otro aspecto que vale la pena rescatar. Patrick Doyle sabe combinar de una manera maravillosa el aspecto selvático y el citadino en forma de acordes lo cual aporta y llena de una fuerza brutal el largometraje.

Y acá les va una recomendación de amigos. El final inmediato se siente muy flojo e incluso te deja un poco insatisfecho, pero si se esperan unos minutos más sentado en sus asientos podrán ver otro que sin necesidad de diálogos y con una manera muy creativa te otorga un final que vale más la pena y que se entremezcla con los créditos finales.

Pero igual no quiero que piensen que es la mejor película de todos los tiempos, porque no es así, si tiene algunos errores y fallos pero creo que podría contarlas con los dedos de la mano derecha. Sin duda es una muy buena recomendación si te gusta el cine de ciencia ficción, y si no te gusta, es una buena opción de cine con una visión y crítica a la sociedad en la que vivimos.

Te dejamos el trailer para ver si te atrapa o aun así decides dejar de verla.

Mauricio O.

Video: Youtube.com

Imagen: www.cineopsis.com

Sólo un súper 8

El director J.J. Abrams (Startrek) nos presenta su tercer largometraje titulado "Super 8", donde no sólo participa como director, sino que también se le atribuye el guión donde la ciencia ficción vuelve a ser el género por el que nos guía. Y donde además contó con el cineasta Steven Spielberg, quien participo como uno de los productores.

Voy a comenzar con los factores positivos de la película, porque desde luego que cuenta con ellos. Y en primer lugar quiero aplaudir la maravillosa dirección con la que cuenta, las tomas son muy buenas (y se nota más al principio de la cinta), los encuadres siempre van de acuerdo a las situaciones y son acordes a lo que te quiere transmitir. No me cabe duda que J.J. Abrams sabía lo que hacía a cada momento ya que se nota en la dirección.

Los efectos especiales al igual que los sonoros quedan perfectos con respecto en lo que nos está mostrando en las imágenes y desde luego que le dan mucha fuerza a la película, la fotografía de igual forma es maravillosa, los juegos con los cambios de enfoque y distancias focales es genial.

Las actuaciones son espectaculares de todos los actores y actrices, lo cual sorprende porque la mayoría son niños de menores de 18 años, y me gustaría también mencionar que Elle Fanning está llendo tras los talones de su hermana (Dakota Fanning).

Pero por otra parte, en cuestiones de la historia y de algunos detalles específicos de la cinta, si deja mucho que desear. Hubo un momento en que estaba viendo la secuela de E.T. porque se maneja bajo las mismas bases que la película de Spielberg.

Y si como dije antes los efectos especiales son muy buenos, pero hay un punto en que debes darte cuenta que estás abusando de ellos. Después de ver un tren volando en pedazos y en llamas por más de 6 minutos te cansas y pierde mucha credibilidad. Y otros pequeños detalles que le iban quitando puntos. Aunque el mayor error creo que fue el final, realmente me sentí defraudado con ese final. Porque esperaba algo más acorde a la linea por la que iba la cinta.

Una película dominguera para disfrutar con un gran bote de palomitas de maíz, para reírse un rato y pasar un ratico lleno de ciencia ficción y efectos especiales.

Aunque recuerden que esta sólo es nuestra opinión, la verdadera opinión y decisión de ver la película es suya y para ver si se convencen más fácil de eso les dejamos el trailer de la cinta.

Mauricio O.

Imagen: www.allpostersimages.com

Video: Youtube.com

Sólo sé que era verde

El director francés Michel Gondry nos sorprende con una película sin pies ni manos que sólo hace alarde de efectos especiales demasiado.... "verdes". Estoy hablando sin más ni menos de la más reciente versión de "the green hornet" cuyo guión va a cargo del actor (y al parecer guionista) Seth Rogen, de la mano de Evan Goldberg, quien colabora en la elaboración de la palurda historia, según aseguran está basada en las historia original de la radio serie creada por George Trendle para el año de 1936.

Cabe mencionar que a Rogen no le pareció suficiente ser el "creador" de una historia vacía y sosa, sino que además tuvo el atrevimiento de considerarse que sería el actor adecuado para darle vida al legendario personaje, que lucha contra el crimen ayudado de algo así como un karateka chino interpretado por Jay Chou, que se une a Keanu Reeves al grupo de "los actores vacíos que no muestran sentimientos ni expresiones". Por suerte (y desgracia) Christoph Waltz hace una actuación maravillosa, es una lastima que sea en películas como esta que personalmente catalogué en la lista de "películas que te quitan el tiempo". De Cameron Diaz no puedo decir nada, más que lo que ya se sabe, su actuación sobra en la cinta, como en todos los largometrajes en los que aparece.

Hablando en términos generales de la cinta, voy a recalcar el excesivo uso de efectos especiales y secuencias innecesarias, la muy buena elección del BSO (Banda sonora original) pero la mala aplicación de las canciones y melodias con respecto a las situaciones.

Aunque si debo aplaudir algunas transiciones y en particular a la muy agradable secuencia que ronda por los primeros minutos del largometraje, en donde participa Christoph Waltz y James Franco. Aunque por desgracia creo que es la única. Ya que si menciono la odiosa secuencia inicial y la mala introducción que se hace al personaje principal, las tomas extensas y sin sentido con respecto a la historia y al caso muy particular de la muy extraña secuencia de Rogen y la chica en el garage donde se puede ver lindos autos lujosos, y que quiero imaginar que era algún tipo de homenaje fallido a aquella secuencia a alta velocidad de sexo que Kubrick inmortaliza en "Orange Clockwork".

Haciendo el intento de entender la cinta no sé si Rogen y Goldberg intentaban mandar algún mensaje de que los medios de comunicación no deben dejarse manipular y en el camino todo se confundió y dieron un mensaje totalmente errado, ya que nos dicen implícitamente algo como "los medios de comunicación pueden ser manipulados para beneficio personal de los dueños de los mismos".

Y ya para finalizar con esta publicación debo decir que el mayor fallo que yo considero de cuando estaba viendo la película es que no supe que estaba viendo, no supe si era una película de acción, una comedia o simplemente un documental de como destruir autos de una manera ruidosa.

La decisión de verla como siempre queda en sus manos, yo sinceramente no volvería a verla ni por error, pero para que se convenzan de verla o no verla. Acá les dejo el trailer.

Mauricio O.

Trailer: Youtube.com

Imagen: www.thecodeiszeek.com

El árbol que gano la palma

Creo que Terrence Malick tomo muy literal la frase "la vida es una película".

Ganadora de la palma de oro en la 64 edición del Festival Internacional de Cine de Cannes "The tree of life" llega a las salas de cine (pronto en México) con mucho peso y rompiendo todo tipo de espectativas.

Escrita y dirigida por Malick, una maravillosa (casi perfecta) cinta, con una fotografía deliciosa, llegando a lo orgasmico (no se si la palabra existe, pero lo es), y quiero recalcar que esto es orgullosamente trabajo del mexicano Emmanuel Lubezki. Las imágenes de archivo y animaciones muy bien logradas y aplicadas, encuadres que se adecuan a la trama y aportan mucho a la cinta y al aspecto emocional, secuencias delirantes y en lo particular me enamoré de las transiciones temporales, la dirección en general es simplemente (ACÁ VIENE UNA DECLARACIÓN FUERTE) la mejor que he visto desde Orson Welles o Hitchcock. Aplica cada movimiento y encuadre siempre pensando en el mensaje y en el significado del mismo, experimenta, no se limita, es dinámico y atractivo.

Con respecto a la historia es una MUY simple historia que si no prestas toda tu atención se torna en el mas complicado y extraño documental sobre la naturaleza hecho por Discovery Channel. Debo aceptar que por un momento si pensé que era demasiada naturaleza y sinceramente creo que lo hizo para llenar tiempo, pero es bueno si disfrutas las imágenes, de muy buena calidad, por cierto. Ademas de que es hasta cierto punto muy optimista y con una visión inspiradora y alentadora, algo diferente en estos tiempos caóticos y sin esperanzas.

La música simplemente bien elegida y utilizada, por momentos te hace amar lo que estas viendo y en otros te hace odiarlo.

Y llegamos a la parte que seguro muchos esperan.... Las actuaciones de Brad Pitt y Sean Penn, a pesar de que son cortas y sin muchos diálogos son increíbles, Pitt simplemente me dejo sorprendido con lo mucho que puede decir sin abrir la boca y con lo mucho que puede transmitir con una mirada y Penn simplemente Penn, perfecto.

La película es larga pero vale mucho la pena, es sin duda una de las mejores que he visto este año a lo que cine, en toda la extensión de la palabra, se refiere.

Un fuerte aplauso para Malick. Espero que en cuanto tengan la oportunidad corran a su sala de cine mas cercana a verla.

Acá les dejamos el trailer para ver si esto los anima más que nuestras palabras.

Mauricio O.

Imagen: www.dailyactor.com

Trailer: www.youtube.com

Melancolia de un "Nazi"

Lars Von Trier siempre nos ha ofrecido un estilo cinematográfico diferente a lo que estamos acostumbrados, en su momento llego a impactar a los críticos y espectadores con lo que llamo el tratado "Dogma 95" y después con un cine muy teatral y con tematicas y didacticas que iban revolucionando la manera de hacer cine. En esta ocasión nos presenta la más reciente cinta donde participa como guionista y como director de la misma, estoy hablando de "Melanchholia". En esta cinta se aventura con un estilo que no había utilizado nunca, la ciencia ficción.

Tengo que aceptar que tanto visualmente como en el aspecto sonoro es una obra de arte. No hay un momento en que los encuadres, en su mayoria con cámara en mano, y la constante utilización del zoom queden mal en la cinta, porque la historia se presta a ello.

Algunos mencionaban que "Melancholia" era una mezcla entre "El anticristo" y "Festen" de Tomas Vinterberg, desde luego que tiene un poco del estilo de ambas cintas, pero para mi gusto no tiene más que la esencia que hace referencia y quizás un poco de tributo a estas dos películas. Ya que el largometraje no tiene nada que ver con ambas cintas, por lo menos en el aspecto referente a la historia.

Eso si... si piensan ir a verla tienen que cumplir con dos requisitos.

1.- Ser Fan del trabajo del director danes

2.- Llevar mucha cafeina en las venas y tener sus horas de sueño al corriente

Es una película lenta (quizás podría ser MUY lenta) y larga que se tiene que ver con paciencia y con mucha atención, ya que los que conocen el trabajo de Von Trier saben que cualquier movimiento en falso nos da una pista para entender el argumento de la cinta.

Las actuaciones son muy buenas aunque destaca más la de Charlotte Gainsbourg que la de Kirsten Dunst, y que hay momentos en que una vez más (al igual que en "El anticristo") realiza escenas que dejan sin aliento. La actuación de Kiefer Sutherland para ser sincero pensé que sería mil veces peor, y que en cualquier momento comenzaría a disparar en todas direcciones y a gritar que es Jack Bauer, pero no, tengo que aceptar que le creí el papel y que le quedo muy bien.

Es una película que queda al criterio de cada quien, yo puedo decir que la disfrute de manera visual casi orgasmicamente, sin embargo la historia me dejo mucho que desear, pero no por eso quiero decir que es mala, sólo que después de ver el maravillloso trabajo en "El Anticristo" esperaba más.

En cuanto tengan la oportunidad de verla diganos que piensan de ella.

Mauricio O.

Imagen: www.fhp.nu

Video: Youtube.com

Los hermanos Cohen a caballo

Los hermanos Cohen vuelven a las pantallas grandes pero esta vez con una nueva faceta.... Vaqueros. True Grit es el nombre de la cinta que dirigen los hermanos, CLARO QUE SI te puede sonar un poco el nombre de la cinta, es porque quizás hayas visto la versión anterior donde John Wayne participaba y dejaba claro quien era "el único del viejo oeste". Sin embargo después de unos pequeños cambios en la novela de Charles Portis, los hermanos Cohen aseguran que el guión es original y se lo atribuyen a si mismos.

La cinta tiene una fotografía muy buena, de hecho fue algo que a mi me llamo la atención desde el primer minuto de la película, porque mezclado con los movimientos de cámara y las secuencias tan típicas de las cintas de los Cohen se vuelven un deleite visual.

Las actuaciones son maravillosas, principalmente la de Jeff Bridges y Haile Steinfeld. Por su parte Bridges personifica de una manera impecable a un malcarado US Marshal con un acento perfecto para el viejo oeste. Por su parte la pequeña Steinfeld muestra sus impresionantes dotes de actriz (que seguro la llevarán lejos muy pronto) con una actuación perfecta que hace que todos los personajes encajen entre ellos y le da la fuerza necesaria a la cinta para equilibrarse entre la dureza de una venganza y el amor de una hija a su padre muerto. Fuera de ellos dos todos hacen actuaciones normales, no malas, pero no resaltan. Matt Damon necesita reinventarse en la pantalla, en esta cinta por ejemplo, yo pensé que iba a saltar del caballo y hacer una secuencia de acción al puro estilo "The Bourne Supremacy". Es una desgracia porque su personaje parecía muy interesante.

Sin duda es una cinta disfrutable, más que nada por el aspecto visual, ya que incluso la música no es tan relevante, es como cualquier típica melodía de un western, yo sinceramente esperaba más innovación por parte de los Cohen. Es lo malo de que hagan tan buen cine, nos mal acostumbren a esperar lo mejor y después salgan con un resbalón millonario.

Creo que prefiero las cintas con el humor negro caracteristico de estos hermanos, donde cada movimiento es un chiste perfecto y con un humor que te vuela el sombrero de la cabeza. Aunque haya sus escepciones bien elaboradas e inovadoras del ambito dramatico de estos cineastas contemporaneos, como es el caso actual de "No country for old men". En este caso yo me quedo con la versión pasada de esta novela (por que no son guiones iguales). Lo que queda es que ustedes la vean y decidan.

Mauricio O.

Imagen: blogdecine.com

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Pájaros de papel, sentimientos de verdad

El director español Emilio Aragón nos presenta una cinta que hace algunos meses se presentó en el marco del 26º Festival Internacional de Cine de Guadalajara. La cinta titulada “Pájaros de papel” es una cinta que corre en tiempos del franquismo en España y la decadencia que se vivió entonces en este país.

Una cinta conmovedora de pies a cabeza con un guión que corre a cargo de Fernando Castets y del mismo Emilio Aragón, con personajes muy interesantes y bien presentados, diálogos acertados pero además una cantidad muy correcta, sin una cantidad de discursos enormes ni tampoco muy reducida. La cinta cuenta con una narrativa limpia que te va mostrando un panorama de complot pero al mismo tiempo de un sentimiento incomodo, como se habla por parte de los que vivieron en la época de Franco.

Situaciones llenas de fuerza que además van acompañados de escenarios deliciosos, obra bien realizada del director de arte Fernando González y que ayuda a capturar David Omedes, director de fotografía.

Por otro lado, la música es increíblemente acorde a las situaciones planteadas y perfectamente cuadra con lo que se tenía en mente, yo creo que no cabe mayor duda ya que fue Emilio Aragón el encargado también de esta labor, este elemento juega un papel importante porque no sólo son las composiciones sino los tonos, instrumentos elegidos y el volumen de ellos, que al principio parecen molestos porque ni los diálogos se pueden escuchar claramente, pero después uno se da cuenta que es parte de lo que el director tenía en mente.

Pero yo me pongo de pie de las actuaciones de Imanol Arias, Lluís Homar y Roger Princep, quienes no sólo demuestran lo profesionales que son con su trabajo si no que hacen de este largometraje que todas las escenas, secuencias y planos en los que participan se vean reales y llenos de ese sentimentalismo que sin duda tiene como objetivo además de hacer una crítica social a este periodo que forma parte de la historia del pueblo español.

Los que constantemente utilizan su tiempo para leer lo que nosotros con mucho orgullo escribimos acá sabrán que yo NUNCA he gustado de ser el encargado de arruinarle los finales a la gente, Y esta vez tampoco lo seré, sólo voy a decir que toda la obra culmina con un final de diez, que no se queda ni corto ni largo.

Me da mucho gusto aceptar que me vi conmovido por esta cinta y no sólo eso sino que agradezco no haber estado presente en la presentación de esta cinta ya que sin duda los chorros de lagrimas de mis ojos no hubieran podido ser cubiertos por la típica escusa: “se me metió algo en el ojo”. Quizás no es la obra maestra del siglo pero cumple con el objetivo de entretener y llegar a picar algunos nervios lagrimales para poder dejar bien claro algunos sentimientos que se vivieron en aquellos años de represión social y de régimen totalitario, pero de una forma creativa, cómica y dramática que a cualquiera con los sentimientos adecuados podrá satisfacerse con una palmada en la espalda al final de las casi dos horas de cinta.

Seguramente tardará en salir en cartelera de nueva cuenta en la perla tapatía, pero si tienen la oportunidad de mirarla, no lo duden yo se que no se arrepentirán.

Mauricio O.

Imagen: casadeloshorrores.com

Trailer: Youtube.com

Por la medianoche acompañado por un neoyorquino

El cineasta neoyorquino Woody Allen hace algunos días estaba abriendo la edición número 64 del Festival Internacional de Cine de Cannes con su más reciente producción “Midnight in Paris” (medianoche en Paris, traducida en España).

Ayer tuve la oportunidad de disfrutar de esta comedia simple pero muy bien llevada, con una acertada forma de mostrar el amor en diferentes facetas, pero principalmente un amor por la ciudad del amor….. Paris.

Tanto el guión como la dirección van por cuenta de Woody Allen, ya con su sello característico. Encuadres correctos, secuencias delicadas para poder ser disfrutadas por el espectador, diálogos elaborados y con tintes de una comedía intelectualoide y deliciosas piezas musicales encabezadas por el jazz guiando los pasos y expresiones de los actores, son algunos de los elementos que volveremos a encontrar en esta cinta.

Sin embargo nos podremos sorprender con la simpleza del guión, pero con un desarrollo nostálgico y divertido que te mueve a lo largo de los noventa minutos, una obra al surrealismo de las ideas del hijo de Manhattan.

Con actuaciones perfectas de Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel Mc Adams, Adrien Brody, Kathy Bates e incluso de la primera dama de Francia, la guapísima Carla Bruni. Mas otro centenar de actores originarios de Francia nos vamos a ir introduciendo en la película, hasta el momento en que la risa sale natural y la realidad pierde coherencia para ofrecerte un espacio en el largometraje para que te enamores de Paris.

A mi en lo personal no me parece la mejor película del cineasta norteamericano, pero me parece una comedia, repito, con un humor muy intelectualoide que se disfruta mucho si tienes una pizca de conocimiento de los artistas del pasado, pero esto no me detuvo para disfrutarla mucho, porque hace que todo encuadre y toda secuencia te lleve por un delicado viaje de bellas y especiales imágenes que son congruentes con el discurso narrativo que nos da a “leer”.

Sin duda que me quedo con está cinta en comparación con los últimos dos trabajos de Allen, quién ya mostraba indicios de “creatividad cansada” desde el momento de escribir hasta el momento de grabarla. Ya que lo que tiene está cinta es que no en es la típica cinta hecha para mirar y listo, es irte enamorando de las calles y rincones de la ciudad de Paris al lado de Owen Wilsón y de la mano de Woody Allen.

Sin duda que no es la mejor película de Allen. Pero estoy igual de seguro que contiene un ingenio esplendido que la hace una comedia muy interesante que no te dejará aburrirte y que te sacará una risa por lo menos. Esperemos que llegue a las salas tapatías pronto para que así como yo puedan disfrutar de esta cinta tan divertida, interesante que guarda una simplicidad extraordinaria.

Mauricio O.

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Al puro estilo Boyle

Es bien sabido que directores de cine tienen un control casi perfecto o perfecto sobre las decisiones que hay que tomar a la hora de filmar. Danny Boyle se ha sabido posicionar entre estos de una manera sublime. El británico nos presenta su más reciente producción titulada 127 hours (127 horas) donde nos vuelve a dejar claro que no tiene miedo de experimentar con la cámara y la narrativa simultáneamente a la hora de hacer su trabajo.

127 horas se vuelve una película magnifica por la forma en que te lleva minuto a minuto. Casi siempre le otorgo las palmas a una sola persona por el maravilloso trabajo que hace, sin embargo en esta ocasión es mi deber resaltar el impresionante trabajo que realiza todo el equipo, desde los actores, hasta el maquillista.

Danny Boyle siempre ha tratado de contar historias con una narrativa que juegue con el tiempo y los espacios, que te traiga y te lleve de un lugar o un tiempo en concreto a otro. En este largometraje lo hace una vez más, pero además le agrega un elemento más, situaciones reales e imaginarias; hace una danza visual entre tiempos, espacios y realidades mezcladas “aleatoriamente” creando una impresionante muestra de dominio de la dirección, además de que se hace valer de elementos meramente visuales para connotar estados de animo o físicos. De tal manera que te hace sentirte el personaje principal y te hace vivir lo que el vive.

Resalta la esplendida fotografía, el soundtrack no sólo es maravilloso, sino que va guiando a tu estado de animo influyendo tu sensación que al mezclarse con la parte visual crean un boom inevitable, también el diseño sonoro queda muy bien y se nota un cuidado minucioso. El director de montaje y edición seguramente debió de haber tenido un enorme y aplastante trabajo, pero se nota un gran trabajo, aunque casi al final hay algunos muy notorios errores de continuidad (a cualquiera se le escapan).

La actuación de James Franco es muy buena y se vuelve una pieza clave, le aporta una sensibilidad envolvente que te pone en la cinta y que mezclado con las tomas dinámicas y los encuadres cerrados resalta una capacidad histriónica de Franco que sobresale para mi frente a sus otras películas.

El guión fue realizado por Danny Boyle y Simon Beaufoy, basados en el libro de Aron Ralston, donde cuenta su experiencia personal en la que se basa la trama. Quizás es lo que tenga un poco menos importancia, no digo que sea malo, de hecho el mensaje principal que te intenta dejar y que comunica es increíble, que si en algún momento has pasado por una situación similar te hace familiarizarte con el personaje y con el argumento, pero eso es otra cosa. En general es bueno el guión pero hay momentos en que llega a ser repetitivo e incluso predecible, pero Boyle hace que con las tomas y los movimientos de cámara rápidos, los pocos diálogos y los saltos de tiempo no puedas prestar tanta atención a estos mínimos detalles.

No me cabe duda que esta cinta no te va a defraudar y te va a mandar a casa con un muy buen sabor de boca, porque es simplemente un agasaje visual, quizás no la mejor película (aunque así pueda parecer después de todo lo que dije) pero es muy sencilla y se disfruta bien.

Pero véanla y ustedes saquen conclusiones

Mauricio O.

Imagen: bassonian.files.wordpress.com

Trailer: Youtube.com

Desconocerás al hombre de tus sueños

You will meet a tall dark stranger es el titulo de la más reciente cinta de Woody Allen, donde nuevamente participa como director y guionista, en esta cinta se vuelve a trasladar a los escenarios nubosos y tradicionales de Londres, donde con la ayuda de actores de gran talla internacional (como últimamente ha preferido hacer) realiza una nueva historia donde las historias de amor complicado nos llevan a situaciones increíbles.

"Conocerás al hombre de tus sueños" (como se le llamo en México) es una historia que habla de las relaciones de pareja en varios niveles y diferentes escenarios, desde los más dramáticos hasta los más cómicos, regalándote en poco más de una hora y media una pintura de como se vive el amor en la contemporaneidad.

Para mi gusto esta cinta no es la mejor de Woody Allen, por no decidir que me pareció una cinta de la cual esperaba más y que me llego a decepcionar un poco, no digo que no me gusto o que no la disfruté, sólo creo que le faltó más efecto Woody Allen, quizás es el hecho de que la combinación: Historias de amor en Europa + Woody Allen se está volviendo un tanto recurrente en los guiones del escritor de Annie Hall.

Las actuaciones son buenas, debo aceptar que fue difícil ver a Anthony Hopkins, Antonio Banderas y a Josh Brolin en un largometraje del director de "Bananas", pero se ve un buen trabajo por todos, aunque para mi gusto las palmas se las lleva Gemma Jones y Naomi Watts porque pueden mostrarte la comedia dentro de un drama sin que se manche el uno del otro, pero sin que se vea átono.

Eso si, en lo personal espero que Allen nunca más vuelva a trabajar con Antonio Banderas, o por lo menos que no lo ponga a hablar otro idioma que no sea el castellano, hay que aceptarlo Banderas no cuadra con Allen como lo hizo Bardem en Vicky Cristina Barcelona. Hay duplas actor-director que funcionan, a Banderas le funciona con Almodovar, pero no con Woody.

El soundtrack, como siempre en las cintas del neoyorquino está compuesto por algunas melodías clásicas y jazz que le aporta ritmo y comicidad a cada encuadre.

En general la película es buena pero no está dirigida para todo el público, es una cinta que sólo disfrutarán aquellos que conocen y disfrutan del trabajo del cineasta. Este largometraje yo lo recomendaría para ellos. Si el trabajo de Allen no es mucho de tu agrado será mejor que no la vayas a ver o saldrás de la sala del cine a la mitad de la película y con una indigestión. Si por el contrario disfrutas de las temáticas Allenescas puedo asegurar que saldrás de la sala de cine con una sonrisa en la cara y con una sensación de bienestar, o por lo menos de no haber malgastado tu tiempo, pero te recomiendo que no te llenes tampoco de muchas esperanzas.

Mauricio O.

imagen: Moviesummary.net

Video: Youtube.com

De vuelta a los rascacielos y problemas existenciales

En el 2009 Woody Allen decidió volver a su ciudad natal, las calles de Manhattan lo recibieron con los brazos abiertos para permitirle realizar un largometraje después de un periodo de tiempo filmando en el extranjero, Europa para ser más concreto.

Whatever Works (Si la cosa funciona) es el titulo de dicha cinta que no se estreno en los cines mexicanos hasta apenas este año (o por lo menos eso tenía entendido), algunas salas de nuestro país serán testigos de esta "nueva" cinta del creador neoyorquino, por eso es que aprovechamos este acontecimiento para poder dar una opinión para los que tuvimos el placer de obtener acceso a una proyección, esperando que todos ustedes puedan, por fin, disfrutar de esta comedia Allenesca donde retoma las calles de Manhattan como escenario y personaje.

Escrita y dirigida por Woody Allen, como es costumbre desde hace muchos años, nos presenta una comedia con un humor acido (un poco más de lo que estábamos acostumbrados a ver que envuelve temáticas muy populares en los largometrajes del realizador norteamericano.

Amor, relaciones de pareja, sexo, problemas existenciales, personajes fuera de serie y mucha diversión es lo que nos ofrece Whatever Works.

La actuación de Larry David y de Ewan Rachel Wood realizan un maravilloso ensamble que te lleva a través de una cinta llena de situaciones y te las hacen vivir, le aportan el delicioso grado de comedia obscura que se manifiesta en la película.

No cabe duda de que no es la mejor cinta de Allen, sin embargo es una película que sin duda te divertirá y te volverá a llenar de un Manhattan artístico, melancólico y divertido acompañado del jazz clásico que ameniza todas las películas del creador de los anteojos de marco grueso.

Las críticas han dicho que quizás es de las peores cintas de Woody Allen, pero yo no sé si podría sostener algo TAN fuerte, me queda claro que no es la cinta más brillante ni con mayor tratamiento de guión, pero yo he preferido calificarla como "un gesto cinematográfico divertido envuelto en un respiro que ilustra el reencuentro entre Manhattan y su más conocido fan... Woody Allen".

La decisión de es ustedes ¿la van a ver o no?

Mauricio O.

Imagen: Notasdecine.es

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Discurso digno de un rey

The King´s Speech (el discurso del rey) es la cinta más reciente del director ingles Tom Hooper y que le hizo merecedor del premio de la academia para mejor director. La cinta igualmente se hizo acreedora del Academy Award a mejor película, y de igual forma el guión, el cual corrió a cargo de David Seidler y cuenta la historia de los problemas del rey Jorge VI para dirigirse al pueblo debido a sus problemas de habla y como logra superarlo.

El reparto está encabezado por Colin Firth, Geoffrey Rush y Helena Bonham Carter, un trio escénico que cuadra muy bien y que hace un maravilloso trabajo, sin embargo yo sentí que le faltaba algo, deja satisfecho pero con una necesidad de un poquito más, incluso llegue a pensar que la actuación de Geoffrey Rush era más sincera y llena de emoción que la de Colin Firth, quien cabe mencionar, también se llevo el Oscar a la mejor actuación masculina en la última edición de dichos premios.

Pero para mi gusto la pareja de Tom Hooper y Danny Cohen quien fue el director de fotografía, hacen que las imágenes te vayan abrumando de una manera positiva donde cada encuadre se vuelve una bellísima imagen que te dejan contemplar de una manera delicada para disolver cualquier cuestión extra a la dirección y a la fotografía. Y ahora que he tocado el tema de la dirección, me gustaría hacer una observación muy personal que en mi caso es el motivo por el cual yo considero que la cinta es una bellísima obra y que te hace disfrutarla desde el principio hasta el fin.

El cine en los últimos años se ha dejado llevar por una corriente aunada a la era tecnológica, donde los efectos especiales son el actor principal de la gran mayoría de producciones cinematográficas, dejando a un lado las historias, las cuales también se han visto afectadas, buscando cada vez recursos más confusos y tramas llenas de nudos extravagantes que te obliguen a ver las películas más de una vez. Y creo yo que lo que hace “The King´s Speech” es volver a los inicios del cine con unas “restauraciones” visuales que desde luego antes no existían, ahora me explico. El cine comienza con grabaciones que hacían sentir a la gente lo que veían, las hacían vivir las historias, historias sencillas pero irreales para algunos, antes la gente corría de un tren que venia contra de ellos en una pantalla, hubo un tiempo cuando la gente lloraba cuando veía a un hombre convirtiéndose en ladrón frente a su hijo por tratar de alimentar a su familia, ahora la gente sólo vomita cuando ve a un pseudo hombre de color azul volando en algo parecido a un dragón. Y lo que hace “The King´s Speech” es elegir una historia simple, tanto como dar un discurso, estructura la cinta de manera lineal pero con un bamboleo delicado que dote de dinamismo la historia, elige los planos, encuadres y tomas necesarias, no se molesta en meter elementos innecesarios para llenar tiempo, mejor opta por embellecer los que ya tiene. De esta manera te introduce a la película, te hace incluso sentir esa impotencia de no poder con el silencio durante un discurso frente a los sublevados, cumple con el objetivo, nos introduce en una situación que muy pocos de nosotros tendremos el placer de vivir, y nos hace vivir mirando desde los zapatos de un rey en tiempos de guerra.

Para mi gusto esta película vuelve a lo que los hermanos Lumiere tenían en mente cuando crearon el cinematógrafo, hacer que la gente sintiera una realidad diferente a la que podría vivir de una manera visual. Quizás la historia no sea la mejor del mundo, quizás las actuaciones no sean merecedoras de un premio de la academia o incluso la música sea irrelevante, lo cual no digo que así sea, pero esta cinta vale la pena sólo por la maravillosa dirección y fotografía con la que cuenta.

En esta ocasión si me pongo de pie y le doy un aplauso a Tom Hooper y a su equipo por entregarnos esta obra visual deleitante y agasajadora que te va llenando las pupilas desde la primera imagen hasta la última.

Quiero aclarar que con esto no estoy diciendo que es la mejor película de la historia del cine, lo único que quiero es recalcar la excelente realización con la que cuenta sin necesidad de mucho. Para mi gusto es una grandiosa recomendación para ir a ver al cine, acá les dejo el trailer para ver si así se animan a verla y crear su propia opinión.

Mauricio O.

imagen: cinissimo.com

trailer: youtube.com

Black Swan vuela alto MUY alto

Intensa y estremecedora, simplemente esos dos adjetivos tengo para describir la nueva cinta de Darren Aronofsky “Black Swan” o el cisne negro como la titularon en España.

Una cinta maravillosa, con una producción impresionante, una dirección digna de un maestro y de un genio, que por medio de las imágenes supo llevar está “locura” hasta lo más alto posible y que cuadra perfectamente con la actuación sublime de Natalie Portman, simplemente la puedo describir a ella misma como una obra de ballet, perfecta y delicada, ella es la película, entregada totalmente al papel, definitivamente digna ganadora del Academy Award, Portman les hizo el trabajo sencillo a los hombres de la academia, nos dio una actuación magistral. Winona Ryder en la película lo que viene a hacer es reafirmar que aunque aparezca escasos diez minutos o menos, sus actuación es impresionante.

El señor Aronofsky lo único que tuvo que hacer fue poner ese toque tan característico y con tanta fuerza sentimental que sus tomas entrelazan en cada escena que filma, te hace introducirte en la película y vivir las situaciones, sin embargo para mi gusto le pudo sacar mucho más jugo al juego de la dualidad que existe, la cual en la mayor parte de la cinta se soluciona por medio de los colores, las situaciones están bien planteadas por los escritorios por los señores Mark Heyman, John McLaughlin y Andrés Heinz, este último fue el dador de vida de la historia en la que el guión se basa y que con una narrativa un tanto elaborada, hace que no puedas apartar la mirada de la pantalla, quizás con algunos detalles que se descuidan y que se dejan algunos detalles sueltos con los que se pudo haber mostrado más intensidad, claro, esto a mi parecer, y no me parece que le reste fuerza a la cinta, sólo como pequeña observación.

El señor Tchaikovski aun después de tantos años en que compuso esas suculentas melodías que se utilizan en el largometraje de más de ciento veinte minutos lo que hace es llenar de intensidad y de ritmo cada paso de Natalie Portman, cada encuadre de Aronofsky, cada impresionante fotografía de Matthew Libatique para que todo quede como una pieza de ballet. Perfecta.

Sin duda alguna ahora se porque la bellísima Natalie Portman se hizo merecedora del premio que otorga la academia, aunque en está cinta ya comienzan a verse las mínimas marcas de la edad en su rostro, en su cuerpo y energía no se aprecia lo mismo.

Una recomendación para los amantes del cine que tengan ganas de entrar a un rincón de la mente de Aronofsky para ver desde primera fila una maravillosa y sin duda riquísima obra del cine contemporáneo, de la que sin duda no saldrán decepcionados aunque se mentalicen previamente de que no puede ser tan buena como todos dicen (lo digo por experiencia propia).

Mauricio O.

Imagen: cine1fz.blogspot.com

Trailer: youtube.com

Luchando por el Oscar

Sin duda Darren Aronofsky sabía que no iba a perder nada cuando decidió participar como productor ejecutivo del nuevo film de David O. Rusell “The Fighter”. Realmente no se como explicar esto, voy a tratar de hacerme entender en la mayor medida de lo posible.

La cinta para mi fue como una pelea de box, todo pasa muy rápido y puede que uno de los contendientes (la película) parece que está a punto de caerse a la lona y perder la lucha pero de repente se pone de pie y te da un gancho a la barbilla y te hace perder caer y sentirte todo golpeado, sin embargo te deja consciente y con una sensación de haber vivido cada momento que te plantea.

A lo que me refiero con esta comparación es que la película comienza para mi gusto de manera muy lenta e incluso puedo decir que deje de prestarle atención la primera vez que la vi, pero después de la primera media hora de cinta te envuelve y no te da un respiro, te hace que tu cuerpo trate de rescatar todo lo que registro de la primera media hora y te hace vivir la película, te hace sentir el esfuerzo del personaje principal y te hace reaccionar con él.

Las interpretaciones de Mark Wahlberg y Christian Bale son muy buenas, yo diría que Bale sobresale más que Wahlberg pero hay momentos en que wahlberg hace que te sientas en el cuadrilátero recibiendo los golpes junto a él. Amy Adams para mi gusto le falta mucho para poder llegar a ser como las grandes, en está cinta lo único bueno que muestra es su cuerpo en ropa interior porque su actuación deja mucho que desear, sin embargo el papel de Melissa Leo como la mamá de Micky Ward (Mark Wahlberg) es maravilloso y se nota como una actriz puede hacer que un personaje no sólo tome vida sino que se ponga al frente del reparto con una mirada que te deja con la boca abierta.

Scott Silver, Eric Johnson y Paul Tamasy hacen un maravilloso trabajo con el guión, con una narrativa muy simple pero que fluye deliciosamente a lo largo de las casi dos horas de cinta. Aunque debo admitir que hay detalles que yo sentí que eran muy similares a la cinta de “The Wrestler” de Aronofsky, para empezar la música fue demasiado “Born in USA” sólo que Rusell no utilizó a Springsten en el OST. Fuera de la música hay algunas escenas que en verdad pensaba que iban a cambiar a Wahlberg por Rourke y que en vez de box iba a ser lucha libre. Sin embargo no con esto aseguro que es mala ni mucho menos, sólo digo que en muchas ocasiones se siente una fuerte influencia de Aronofsky y su experiencia con su cinta.

Desde luego no fue la película galardonada con el Academy Award, sin embargo estoy seguro que es una muy buena opción para ir a mirar al cine, se disfruta mucho y repito fluye de manera que no te canses, bueno sólo como buen consejo que les puedo dar, presten atención al principio, quizás puede parecer cansado pero después se pueden arrepentir de no haber prestado atención y terminarán de verla más de una vez como fue mi caso.

Mauricio O.

imagen: ranahammad.wordpress.com

trailer: youtube.com

Un reflejo social hasta en la lluvia.

La cineasta madrileña Icíar Bollaín ("Mataharis" y "Te doy mis ojos") nos acerca por medio de su cinta más reciente titulada "También la lluvia" a una problemática que se lleva a cabo en Bolivia por la privatización del agua, el guión de Paul Laverty (Buscando a Eric) nos cuenta una historia que habla como una problema de unos cuantos se convierte en problema de todos. La cinta cuenta con 13 nominaciones a los premios Goya entre los que figuran: Mejor película, mejor dirección y mejor actor.

Y quiero recalcar en este momento que presten mucha atención a los diálogos, son apabullantes y certeros.

La cinta se realiza con la colaboración de España, Francia y México, contando con una maravillosa fotografía que corre a cuenta de Alex Catalán y que muestra de una forma deliciosa los escenarios de Bolivia que llenos de colores y un perfecto manejo sentimental llenan nuestros sentidos de tal manera que cumple con el objetivo de incomodarnos y querer saltar de la butaca para ser participe de la cinta.

EL elenco se encabeza por el mexicano Gael Garcia Bernal ("Y tu mamá también" y "Amores perros") y por el español Luis Tosar ("Los lunes al sol" y "Los limites del control") seguidos por un gran equipo de actores que realizan una interpretación que te llega a dejar sin aliento y te transmiten el sentimiento que ellos viven.

Saben que no me gusta contar la sinopsis de las películas porque se corre el riesgo de que la gente se sienta influenciada con unas cuantas frases que les puedo escribir, sin embargo creo que está vez es necesario que lo haga para que se entienda mejor lo que tengo que decir.

El largometraje de 103 minutos nos narra visualmente la historia de una producción cinematográfica que pretende hacer una película histórica sobre la llegada de Colón a America y el proceso posterior a esto, sin embargo por motivos de la violencia que se desata en Bolivia por una problemática que tienen los habitantes con el gobierno sobre la privatización del agua se complica la realización de la película aportando un giro en la historia.

La cinta nos muestra una comparación entre la problemática social actual de Bolivia (pero que se le puede dar una lectura desde toda Latinoamérica quizás con diferentes perspectivas) y al mismo tiempo nos cuenta de una manera suave la historia que se conoce del arribo de Colón y de la fase de modificación de la ideología de los nativos de Bolivia, desde luego tocando el tema de la esclavitud y las matanzas que se realizaron. Todo esto esquematizado de tal manera que se muestre un reflejo de la violencia que se vive actualmente y la de aquel tiempo.

Una cinta que sin duda te tiene al borde de un ataque, y que seguramente disfrutaras ya que no sólo tiene un tema muy interesante, sino que está muy bien realizada, cuidando todos los detalles para dejarnos con la boca abierta.

Espero en verdad que tengan la oportunidad de verla, estoy seguro que no se van a arrepentir... de lo contrario podríamos saber su opinión

Acá les dejamos el trailer de la película:

Mauricio O.

Imagen: unaimagenunahistoria.blogspot.com

Trailer: Youtube.com