miércoles, 23 de octubre de 2013

La Gravedad aplicada


Llega a las salas mexicanas la tan esperada cinta "Gravity" (Se le encuentra en México como Gravedad) del realizador mexicano Alfonso Cuarón (The Little Princess, Children of men, Y tu mamá también). Una cinta que había sido sumamente esperada por el público y la crítica por la información que iba creando una expectativa enorme... y que no sería defraudada. 

El realizador mexicano hace un despliegue de conocimientos y técnicas que abonan a la creación de una obra cinematográfica completa, con mínimas pretensiones, guardando lo básico del cine de ciencia ficción y aderezando con un constante suspenso que se respira como si fuéramos el personaje principal. Sin embargo, Gravity no es una película más que se deja llevar por los efectos especiales y la utilización del 3D, sólo por ser la gran tecnología de moda. Y como ya todos lo han hecho, me voy a dar el lujo de resaltar el maravilloso trabajo de Cuarón en el bellísimo plano secuencia inicial de casi 20 minutos, donde todo fluye, se desarrolla la presentación de personajes, se crea el conflicto y comienza la acción y el suspenso con un montaje exquisito y sin la necesidad de realizar un sólo corte. Para los que amamos el cine, este comienzo seguramente cumplirá con todas sus expectativas visuales.       

Un guión que corre a cuenta de Alfonso Cuarón y su hijo Jonás Cuarón (Año uña), donde se cuenta una emocionante historia en el espacio que denota el diminuto tamaño del ser humano y la insignificancia del mismo. Sin defectos significantes, cuidando minuciosamente detalles para crear una atmósfera propia y dándose el lujo de incluir homenajes a grandes historias de ciencia ficción que han desfilado por las pantallas grandes. 

Es curioso ver como actriz principal a Sandra Bullock (Miss congeniality, The blind side, Crash) donde como actriz no ofrece nada especial, más que su encanto natural, ayudado de una magnifica dirección y un diseño sonoro que incluso me atrevería a decir que la dejan ver bien. Sin embargo, si nos ponemos a ver detenidamente su actuación es lineal e intrascendente.  

Y por otro lado podemos ver a George Clooney (The descendents, Up in the air, Ocean´s eleven), haciendo el magnífico papel de George Clooney, sonriendo, teniendo carisma y siendo encantador. Obviamente también brilla gracias a la buena utilización que le da la dirección que lo hace entrar a la perfección en el universo de "Gravity".  

Pero no todo es la magnífica dirección de Cuarón, también se tiene que aplaudir el trabajo del cinematografo mexicano Emmanuel Lubeski (To the wonder, The tree of life, Burn after reading), quien después de siete años vuelve a trabajar con Cuarón haciendo un trabajo impresionante por medio de sus encuadres y la mancuerna que se crea entre el y el director, que nos deja ver un resultado excelente. 

Y aunque es más que bien conocido que en el espacio no hay sonido, si podemos ver en este cinta la presencia de Steven Price (Lord of the rings, Scott Pilgrim vs. the world, Batman begins), quien se encarga de hacer un trabajo musical que no sólo llega a crear ambientación con las melodías, sino que otorga sentimientos a las secuencias y juega con las reacciones del espectador.
  
En general "Gravity" es una película para todos los públicos, ya que no peca de película de "arte" con pretensiones y exigencias necesarias para con el público, y puede ser comprendida y disfrutada por cualquiera, pero tampoco cae en el éxito comercial en todo su esplendor, ya que aquellos clavados en el cine de ciencia ficción podrán disfrutar de pequeños gestos que aluden a películas históricas del género.

Una gran cinta, estremecedora y con muchas lecturas, pero sobre todo con un despliegue de tecnología y estética visual moderna en cantidades perfectas, para no llegar a descuidar la historia, que quizás no será la más profunda, pero si contiene una fuerza especial. 

Pero como siempre, ustedes tienen la última decisión, acá les dejamos el avance cinematográfico para que se den una idea de lo que hablamos. 



Mauricio O. 

Imagen: www.altavoz.pe
Video: www.youtube.com/CinesconditeRises

sábado, 21 de septiembre de 2013

El cine mexicano que no caduca

Llega a las pantallas de nuestra ciudad "Fecha de caducidad", el largometraje ópera prima de Kenya Márquez. Es una película realizada en la Zona Metropolitana de Guadalajara envuelta en una atmósfera llena de secretos, y eventos que van entretejiendo una obscura comedia de suspenso. Fecha de caducidad se ha hecho ya a varios premios internacionales, entre los que figuran los festivales de Huelva, Miami y Moscú.

La dirección de Kenya Márquez es intrépida, crea un dinamismo entre la dirección y las imágenes en pantalla que juega mucho con las expectativas del espectador. 

El guión corre a cargo de Kenya Márquez y Alfonso Suárez, donde nos cuentan una historia sencilla, que se va conformando desde la perspectiva de tres diferentes personajes que cruzan sus destinos por un motivo desagradable. Cuenta con una narración sencilla, pero llena de detalles que se dan el lujo de sorprender con un final inesperado. 

Los personajes son maravillosos, pensados en un contexto desagradable, envueltos en la frialdad de una ciudad que se muestra en casi todos sus momentos vacía. Sin embargo deja muchos puntos sueltos en los personajes que deja en cierta medida un pequeño vacío y la necesidad de querer saber más. 

La actuación de Ana Ofelia Murguía (Las buenas hierbas, Arráncame la vida, Párpados azules) es maravillosa, una mujer de avanzada edad que se vuelve camaleónica dentro de la cinta jugando con los contrastes que su personaje le permite.

Damián Alcazar (El infierno, La Ley de Herodes, Un mundo maravilloso) como siempre deja entrever su profesionalismo actoral dentro de un personaje profundo y grotesco, lleno de detalles exquisitos que hacen que  se vuelva la víctima y el victimario. 

Marisol Centeno (Bacalar, Lluvia de luna, La última mirada) hace una buena actuación, no muy sobresaliente, pero no deja de ser discorde con la película, se ve que puede dar mucho más y por eso se siente un poco débil su papel.  

Entre los tres crean un ambiente lleno de suspenso, pero también algunos detalles obscuros que se sienten muy divertidos a pesar de que la película no es propiamente una comedia. 

Algo que me voy a dar el lujo de destacar es el maravilloso diseño de arte de la cinta. La dirección de arte de la película corre a cargo de la realizadora Sofía Carrillo, quien no sólo pone un toque de obscuridad, antigüedad y putrefacción en el ambiente de la cinta, sino que, para los que vivimos en Guadalajara podremos apreciar que hace de la ciudad un set, con una atmósfera fría como si se tratará de otro lugar.  

Sin lugar a dudas no es la mejor película mexicana del año, y cuenta con varios errores, pero es una película que se disfruta mucho y que vale mucho la pena ver por su fuerza en la dirección, las actuaciones y en el ambiente que va formando a lo largo de los 111 minutos de duración que además le da la característica de que no le otorga una fecha de caducidad.  

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que tengan una probadita de "Fecha de Caducidad".


Mauricio O.
@Eralvy

Imagen: www.elseptimoarte.net 
Video: www.youtube.com/canalnuevaerafilms

martes, 3 de septiembre de 2013

El amor Antes del anochecer

El realizador estadounidense Richard Linklater (Scanner Darkly, Before sunrise, Before sunset) estrenó su película "Before sunrise" (Antes del amanecer) en 1995, en su momento fue una increíblemente bella historia de amor renuente con una simplicidad en el desarrollo narrativo que te envolvía con diálogos inteligentes, y una pareja transparente con el amor como estandarte para emprender una aventura fílmica de apenas una noche.  9 años más tarde la pareja de Celine (Julie Delpy) y Jesse (Ethan Hawke) se reencuentran en "Before Sunset" (Antes del atardecer) para una segunda muestra de romanticismo, una caminata entre recuerdos y confesiones que acercan a la pareja remisa al amor fugaz. Después de casi una década de separación (y con el público también) Richard Linklater nos presenta "Before Midnight" (Antes del anochecer) donde vuelve a reunir a la pareja, ahora con dos hijas, un evidente envejecimiento y una relación formal creada a partir de su romántico primer encuentro y sus diferencias que los vuelven locos y desataban las discusiones más acaloradas en las entregas anteriores pero donde el amor continua siendo el hilo conductor para llevar al espectador a través de una caminata entre recuerdos y los bellos paisajes de Grecia.

Una trilogía envuelta en una idealización del amor e ilustrada en la vida de una pareja que se sumerge en un encuentro romántico de jóvenes y terminan en una clara relación madura donde los problemas van evolucionando junto con ellos. Una historia que a pesar de seguir el mismo modelo narrativo simple donde todo el tiempo vemos a los personajes hablar y andar juntos nos hacen formar parte de un relato muy cercano, una relación directa y honesta para con los personajes creando un enamoramiento entre el espectador y la pareja.  

La historia que comenzó hace 18 años con un Ethan Hawke (Before sunrise, Before sunset, Gattaca) joven, desaliñado y aventurero y una July Delpy (Before sunrise, Before sunset, Broken Flowers) bellísima, sensual y romántica nos muestra ahora una pareja de actores maduros dando vida a los personajes hechos a su medida, que se vuelven entrañables y que crean una pareja irremplazable que le dan vida y alma a la película.   

Definitivamente es una película que vale mucho la pena ver, se puede disfrutar mucho si no se conocen las dos partes previas de la historia, sin embargo se vuelve una experiencia plena de romanticismo y entrega cuando somos conscientes de los hechos de las dos historias previas, con el solo fin de poder disfrutarla en todo su esplendor y poder conocer, la historia de la pareja a lo largo de los años, pero también para conseguir esa cercanía inevitable para con ellos y para con la muy particular manera de expresar su amor.Sin embargo no es una película romántica simplemente, es importante mencionar que tiene una realización espectacular y un desarrollo narrativo nada complejo basado en la evocación de los recuerdos y en las reacciones y la participación activa del espectador. 

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que se animen a finalizar esta romántica trilogía


Mauricio O.

Imagen:
Video: www.youtube.com/diamondsfilmschile


lunes, 26 de agosto de 2013

El amor de la vida

Terrence Malick (The tree of life, The thin red line, Badlands) nos dejó sin aliento en el 2011 con "El árbol de la vida", cinta en donde trabajo ayudado del mexicano Emmanuel Lubezki para crear una magnifica obra donde por medio de imágenes, sonidos y secuencias llenas de ritmo dejaban plasmados sentimientos, emociones y experiencias sensoriales. 

Es hasta ahora, en el 2013 (aun cuando la cinta se estrenó a nivel internacional en el 2012), cuando el par Malick-Lubezki vuelven a trabajar juntos para aplicar algo que pareciera "El árbol de la vida 2", movimientos de cámara, encuadres, secuencias, e incluso en cierta forma la música. Sin embargo existe una gran diferencia: la historia. 

"To the wonder" es una película que sin duda guarda su discurso más importante en la manera en que aborda el tema del amor, las relaciones de pareja, las problemáticas que conlleva y las reacciones más habituales que presentamos los seres humanos. Aplica el mismo estilo "libre" en su realización reforzando con imágenes los diálogos muy bien creados, con frases elocuentes, y que en su mayoría están concentrados en el personaje de Bardem, pero que funciona como narrador, inclusive cuando las tres historias principales no guardan la misma temática.

Las actuaciones en esta ocasión van a cargo de la bellísima Olga Kurylenko (007:Quantum of Solace, Seven Psychopaths, Oblivion), el reemplazable Ben Affleck (Argo, The town, Good Will Hunting) que no aporta nada sustancial al personaje ni a la cinta.

Javier Bardem (Mar adentro, No country for old men, Skyfall) hace una actuación que quizás no es el papel en el que más ha brillado, sin embargo se nota que sus enormes capacidades de actor lo hacen un personaje importante incluso en papeles "pequeños".  Y Rachel McAdams (Midnight in Paris, Sherlock Holmes, Mean girls) que simplemente.... bueno, descuiden ella sólo aparece escasos minutos.

Es una cinta de casi dos horas de duración, pero que en verdad vale la pena poner mucha atención a la manera en que se desarrolla la cinta y comprender el tema desde el inicio para de esa forma poder lograr entablar conversación con entre el espectador y la cinta a lo largo de sus 112 minutos de duración.

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que tengan idea de la magnifica cinta que podrán disfrutar.


Mauricio O.

Imagen:
Video: www.youtube.com/ cinesconditerises


sábado, 24 de agosto de 2013

El robo a la visión de Sofía Coppola





Dirección: Sofía Coppola
País: Estados Unidos
Año: 2013
Guión: Sofía Coppola
Duración: 90 min.
Con:  Katie Chang, Israel Broussard, Emma Watson
Clasificación: B












Iván Sandoval

Poster:  www.moviegoods.com
-------------------------
Videocrítica
Trailer:http://www.youtube.com/watch?v=Q4LzhgExvrc 


jueves, 15 de agosto de 2013

El futuro del presente

Después de tanto tiempo llega a salas comerciales de nuestra ciudad Cosmopolis la película más reciente del cineasta canadiense David Cronenberg (A history of violence, The fly, Crash), nominada a la Palme d'or en el Festival de Cannes del 2012. 

David Cronenberg se encarga por si mismo de adaptar el guión basado en la novela homónima de Don Delillo para la pantalla grande. Y además lo realiza de una forma espectacular, creando un ambiente futurista, frío que mantiene una crítica constante al presente que vive la humanidad y sus flujos económicos, tecnológicos, revolucionarios y de interacción interpersonal. 

Gracias a la espléndida dirección que Cronenberg desarrolla se crea una atmósfera donde el personaje principal de la película se ve envuelto y su entorno se ve alterado conforme la cinta va avanzando y acorde a los pequeños monólogos que entabla con los personajes secundarios con los que interactúa. 

Los personajes quedan como hechas a la medida de cada actor, quienes sorprendentemente podemos disfrutar de un Robert Pattinson (Little Ashes, Water for elephants,  How to be), que seguramente nadie nos imaginamos. 

Sara Gadon (A dangerous method, Antiviral, Dream house) bellísima como siempre haciendo despliegue de su gran capacidad como actriz en un papel casi robótico que ayuda a reforzar la interacción que se plantea del personaje principal con el entorno. 

Juliette Binoche (Elles, Caché, blue) es la encargada de darle vida a la sensualidad y la perversión en un nivel muy delicado y exacto para aportar ese detalle que irá formando el contenido (que sinceramente es lo que más vale la pena) de la historia.

Y el gran Paul Giamatti (Sideways, The ides of march, Deconstructing Harry) que a sus 46 años, nos sigue ofreciendo papeles intensos llenos de emoción que le van a dar el giro perfecto a la cinta, ese detalle que deja al espectador al borde del asiento. 

En términos generales la película es genial en producción y realización, con una narrativa sencilla que ayuda a que se preste atención a lo que se vuelve más rescatable; el contenido. Mucha atención a los temas que se van desarrollando en los diálogos que cruzan los personajes, temas que nos hacen darnos cuenta que el futuro que se ve en la cinta es el presente que vivimos.  

Les dejamos el avance cinematográfico para que se animen más por sus imágenes que por nuestras palabras para disfrutar de esta magnifica cinta, que a estas alturas ya no tardará mucho para salir de las salas comerciales.


Mauricio O.
@Eralvy

Imagen: www.collider.com
Video: www.youtube.com/tucineyseries

lunes, 12 de agosto de 2013

Mud: familia, amistad, amor.


Dirección: Jeff Nichols
País: Estados Unidos
Año: 2012
Guión: Jeff Nichols
Duración: 130 min. 
Con: Matthew McConaughey
Clasificación: B


















Iván Sandoval

Poster:  www.moviegoods.com
-------------------------
Videocrítica
Trailer:  http://www.youtube.com/watch?v=ArsGIFX1DNw

viernes, 9 de agosto de 2013

De la realidad a Heli

Amat Escalante (Sangre, Los Bastardos) es un director joven con apenas tres largometrajes realizados, el último de ellos "Heli". Una historia que lo ha llevado lejos, en la última edición del Festival de Cannes (2013) se consagró como Mejor Director (un año antes su compañero Carlos Reygadas se llevaría a casa este reconocimiento en aquel festival).

Heli es una historia que surge del trabajo entre Amat Escalante y Gabriel Reyes, en donde se desarrolla la vida de un joven "común y corriente" que es ingresado en una vorágine de violencia y sufrimiento físico y sentimental a consecuencia de los elementos que rodean su entorno y donde los guionistas aprovechan para lanzar la denuncia sobre la huella de lo que la violencia en México ha engendrado desde que se "declaró la guerra al narcotráfico". Sin embargo, Heli no es una historia que se suma a la lista de películas que quieren hacer conciencia de la violencia resultante de los problemas de drogas en los que se ha visto envuelto México. Heli va más allá y muestra las consecuencias directas e indirectas que sufre la ciudadanía por culpa de esta realidad.
No sé queda en una denuncia o en una crítica, se vuelve en un retrato de la realidad, sin exageraciones ni inventos. Aquellos que se atrevieron a calificarla bajo la consigna "Traición a la patria" seguramente no se han detenido a pensar que esto no es información oculta, que lo vemos en las noticias y que lo escuchamos en nuestras comunidades.

La dirección de Amat Escalante es magnifica, la violencia que utiliza es desgarradora pero tiene las cantidades suficientes para lograr causar impacto sin asquear al espectador, logra de manera elegante, exacta y concreta lo que "El Infierno" de Luis Estrada (2010) y "Miss Bala" de Gerardo Naranjo (2011) no pudieron dejar en claro (sin desprestigiarlas).  

Las actuaciones de Armando Espitia quien interpreta a Heli y de Andrea Vergara que da vida a Estela (hermana de Heli) son apabullantes, a su corta edad dejan en claro una sensación siniestra que desgraciadamente se vive en nuestro país. La entrega que ambos actores hacen en la cinta muestra el nivel que todo el equipo de la producción tiene para poder llevar a las pantallas algo que sin duda marcará huella en la industria filmográfica de nuestro país.

Cada elemento de la cinta va armando y dando forma a un concepto que desde el principio se plantea de una manera delicada, y que va expresando en un desarrollo que invita a las emociones a adentrarse en un tormento ineludible. 

En general es una de las mejor películas que he podido ver este año, encierra lo que una buena película tiene que guardar sin complicaciones en la narrativa, ni efectos especiales que aderecen las escenas en sobremanera. Es una muestra de talento discursivo que deja al espectador frío.  

Les dejamos el avance cinematográfico para que tengan idea de lo que están por ver. 


Mauricio O.

Imagen: www.sinembargo.mx
Video: www.youtube.com/mantarrayafilms

miércoles, 7 de agosto de 2013

Sueños de un molusco

La compañía de animación Dreamworks Studios lo logra una vez más. Desde que optaron por concentrar sus esfuerzos en la creación de historias llenas de vida, con un manejo emocional y un desarrollo excitante para el espectador se está abriendo paso entre la lucha por la corona de la animación frente a la gente de PIXAR, quienes pareciera que por su lado se han enfocado en desarrollar nuevas tecnologías para desarrollar animación cada vez más real, que dejan notar como si fuera un considerable descenso en su creatividad narrativa, y para muestra sólo es necesario darse cuenta de los proyectos más recientes de esta empresa (Cars 2, Monsters University, Planes, Finding dory).

David Soren (Madagascar, Shark Tale) es el encargado de darle vida a Turbo, un caracol de jardín que sueña con ser veloz. A simple vista la premisa es absurda, sin embargo Soren con la ayuda de Darren Lemke y Robert D. Siegel, logran crear una historia que se enmarca en destacar de una manera muy divertida una idea concreta sobre la lucha por los sueños, y se dan el lujo de "reírse" de las películas de autos, ex luchadores y mucha velocidad (nótese que yo no mencioné la franquicia de Rápido y Furioso). Personajes muy simples y basados en estereotipos pero bien aprovechados y justificados son los que acompañan a turbo de manera positiva y en muchos casos negativa. 

Las voces de  Ryan Reynolds (Green lantern, Smokin' ases, Buried), Paul Giamatti (Sideways, Cosmopolis, The illusionist) , Michael Peña (End of watch, Million dollar baby, shooter), Samuel L. Jackson( Pulp fiction, Snakes in the plane, Django unchained), Michelle Rodríguez (Machete, Fast and furious, Avatar) y Snoop Dog (Brüno, 50 First dates, Old school), entre otros, dan vida a los personajes de la cinta de una manera muy correcta, desgraciadamente el doblaje al español, que nos toca por ser una película calificada "para niños", es muy malo, se siente incrustado, sin embargo es soportable y de igual forma se puede disfrutar. 

Las secuencias están hechas de tal manera que la película tiene una ligera carga de humor negro que ayuda a que no se vuelva desesperanzadora, y la carga simbólica que maneja es grande, pensando que es una película "para niños".   

Las imágenes están acompañadas por un maravillosos soundtrack que Henry Jackman forma con nuevas versiones y mezclas muy interesantes de canciones clásicas, de hip-hop, pop, que crean un ambiente que juega todo el tiempo con la idea principal de la cinta.

En general la película goza de virtudes creativas basadas en cosas que ya hemos visto muchas veces y en estereotipos que han alimentado el cine desde siempre, sin embargo el manejo de la historia es lo que vale mucho la pena de esta película, que va en un considerable aumento de calidad desde que inicia hasta que termina. 

Les dejamos el avance cinematográfico (en español, para que se vayan preparando) para que se den una idea de lo que podrán disfrutar en esta película. 


Mauricio O.

Imagen: www.filmofilias.com 
Video: www.youtube.com/spartasoft

viernes, 19 de julio de 2013

"La grandeza de la monstruosidad"

"Para peler contra monstruos creamos monstruos"
La primera vez que vi Jurassic Park (Spielberg, 1993) fue en el cine. Era un niño en aquel entonces, pero el único lugar dónde podías ver dinosaurios, era en los libros, en las caricaturas o en tu imaginación. En el año de 1993, varias personas, incluyendo niños y adultos nos quedamos sin aliento, al ver por primera vez un dinosaurio "real" moviéndose en la pantalla. Fue gracias al trabajo de ILM (Industrial Light and Magic) y el trabajo de Spielberg como director, que ese fenómeno de dejarnos sin aliento fue posible. Hace años que ese fenómeno no se ha vuelto a repetir, los efectos especiales se volvieron algo común en las películas. Los estudios se enfocaban en como tratar de sorprender con los efectos, más que con la historia. Poco a poco la audiencia ha ido perdiendo el interés de asistir al cine y ahora espera que la película se estrene en dvd o blu-ray para verla en la comodidad de su hogar.
Pacific Rim ("Titanes del pacífico" es el título para la cartelera mexicana), del tapatío Guillermo Del Toro (Cronos, El Laberinto del Fauno, Hellboy) logró generar de nuevo ese fenómeno de dejarme sin aliento y maravillarme con lo que estoy viendo en la pantalla grande. Es una película que hace que valga la pena volver a ir al cine.
La película se lleva a cabo 20 años después de la primera invasión de un Kaiju ("monstruo" en japonés) y como la humanidad que dedicado sus recursos a la construcción de los Jagers ("guerrero" en alemán) robots gigantes diseñados para matar a los kaiju. No puedo decir que la película sigue la historia de un protagonista, que sí la tiene, porque este es uno de los pocos defectos que tiene la película. Su protagonista Charlie Hunnam (Children of men, Hooligans) es plano en todos aspectos. Su único conflicto interno, lo resuelve a la mitad de la película. Supongo que esto ocurre porque Guillermo Del Toro no quería enfocarse en como un individuo o un país trata de salvar al mundo, sino como el mundo se trata de salvar a si mismo.
Los personajes secundarios son lo contrario al protagonista. Idris Elba (Thor) es maravilloso como líder, Rinko Kikuchi (Babel, The brothers Bloom) una gran guerrera con un fuerte pasado. La comedia se soporta mucho en los dos científicos, uno de ellos, obsesionado con los kaijus Charlie Day (Horrible bosses), muestra una versión nueva y fresca de los científicos. Pero quien se lleva la película como personaje secundario es Ron Perlman (Cronos, Hellboy) quien siempre trabaja con Del Toro, interpreta a un traficante de órganos de "kaijus".
Sin embargo, la fortaleza del filme no reside en los personajes o en la historia. Que no me mal interpreten, ambas son excelentes, pero no indagaré más en la historia para no arruinar la experiencia. La fortaleza reside en las escenas de acción y créanme que es algo muy difícil de aplaudir y señalar, siendo que casi todo lo que viene de Hollywood es acción y poco les interesa la historia. La acción es fenomenal, son los momentos en que dejan sin aliento, dónde vuelves a ser niño y recuerdas caricaturas como Robotech o Mazinger Z. Muchas personas me siguen preguntando que si no es como Transformers (Bay, 2007). Es completamente lo contrario. En Transformers, los efectos te marean, los movimientos de cámara te impiden ver bien la acción del momento, las explosiones llegan al punto de lo absurdo que hace que la película sea molesta de ver. Michel Bay, incluso en lo que dice ser bueno, es malo, no sabe como manejar los efectos especiales y su historias valen muy poco como para que la acción genere realmente relevancia. En Pacific Rim, Del Toro trata de rescatar la esencia de los animes y las películas de monstruos que empezaron con Godzilla en la versión de Ishirô Honda (1954). Las acciones son inteligentes, van soportadas por buenos motivos en la historia, cada acción dentro del universo es creíble. La cinematografía de Guillermo Navarro (Cronos, El Laberinto del Fauno), permite que puedas apreciar cada pelea y seguir claramente la lógica de las peleas.
Elementos como tener que pilotear un "Jagers" con dos pilotos, porque imita los hemisferios del cerebro, hace que el universo de Pacific Rim sea creíble y entretenido de ver. La música, creada por Ramin Djawadi (Game of Thrones) resalta la emoción de las peleas y la preparación de los robots. La combinación de efectos prácticos con efectos especiales hace que todo lo visual se sienta como uno sólo y no divorciado como pasa en otras películas con sólo efectos especiales (como la nueva trilogía de Star Wars).
En resumen, Pacific Rim cuenta con varios elementos, tanto en pequeña escala como a gran escala, que hace que está sea una película tremendamente divertida de ver. Cada golpe entre los monstruos gigantes y los robots gigantes, deja una sensación de emoción, al punto a que llega a dejar sin aliento. Unifica a la audiencia, cada vez que un Jager, derrota un Kaiju. Guillermo Del Toro es un gran director y lo único que recomiendo es vayan a verla al cine. No esperen a que salga en video, ya que ver la dimensión de los robots y monstruos gigantes es algo que sólo se puede apreciar en la pantalla grande. Es única película que le agradezco enormemente al señor Del Toro haberla realizado, porque hizo para mi que el asistir al cine, genere significado de nuevo. Espero que genere el mismo afecto para ustedes.
¡ROBOTS GIGANTES CONTRA MONSTRUOS GIGANTES! ¿Qué más hay que decir?

Acá les dejamos el avance cinematográfico para que se den una pequeña idea de lo que podrán ver en la cinta.

Frank Rivera 

Imagen: www.collider.com
Video: www.youtube.com/tuwebbook

jueves, 18 de julio de 2013

Óperas primas mexicanas en GIFF 2013




COMIENZA LA FIESTA DEL CINE EN GUANAJUATO

La XVI edición se celebra del 19 al 28 de Julio en San Miguel de Allende y Guanajuato Capital, con 10 días de cine, conferencias, muestras, talleres y conciertos. Colombia es el país invitado de honor. 

El GIFF mantendrá activas 19 sedes oficiales, entre las que destaca el Auditorio del Estado, el Teatro Juárez, el Teatro Principal, las escalinatas de la Universidad de Guanajuato, el Teatro Cervantes y la Alhóndiga de Granaditas.

La selección oficial de largometraje ópera prima mexicana estará conformada por 6 películas de nuevos cineastas nacionales y son:


Más Amaneceres
Director: Jorge Y. Leyva Robles
Producción: Lilia Velasco Valle
Producción Ejecutiva: Tuerca Films / FOPROCINE




Sinopsis
“Más amaneceres” aborda la historia de Diego, un muchacho de apenas once años, que vive en una pequeña comunidad pesquera al norte de México. Se acercan los trece años de su amiga Eva, la hija única de María y Jacinto. Mientras sueña con celebrar su cumpleaños, una serie de eventos están a punto de afectar su vida para siempre. Para Eva y Diego es la única luz en la hora más obscura, antes del amanecer.

Proyecciones

Cines Aldama 20 de Julio 12 horas en San Miguel de Allende. 

Auditorio del Estado 26 de Julio 16 horas Guanajuato.

Teatro Cervantes 27 de Julio 13 horas Guanajuato.



Somos Mari Pepa
Director: Samuel Isamu Kishi Leopo 
Producción: Samuel Isamu Kishi 
Producción Ejecutiva: Cebolla Films




Sinopsis
Alex un chico de 16 años que tiene distintos objetivos para el verano: crear junto con su grupo de rock una nueva canción, conseguir trabajo y tener su primera experiencia sexual. Al mismo tiempo descubre que su abuela comienza a ser más dependiente de él. Conforme avanza el verano, Alex empieza a darse cuenta de que las cosas van a cambiar para siempre y tendrá que madurar y aprender a decir adiós.

Proyecciones

Cines Aldama 20 de Julio 16 horas San Miguel de Allende. 

Auditorio del Estado 25 de Julio 16 horas Guanajuato. 

Teatro Principal 27 de Julio 14 horas Guanajuato.



Potosí
Director: Alfredo Castruita
Producción: José Lomas-Hervert 
Producción Ejecutiva: Bisonte Rojo Films




Sinopsis
Potosí –un pueblo rural en América Latina- es el fuego cruzado del estrago que ha arrasado el norte del país. El linchamiento en un pueblo, un homicidio en el desierto y un secuestro expondrán tres trágicas vidas en un país colmado de violencia.

Proyecciones

Cinemex 21 de Julio 16 horas en San Miguel de Allende. 

Teatro Juárez 26 de Julio 12 horas en Guanajuato. 

Cinemex 27 de Julio 12 horas en Guanajuato.



No hay nadie allá afuera 
Director: Haroldo Fajardo 
Producción: Yezin Carrillo





Sinopsis
Una película sobre la angustia adolescente. Gerardo deja que pasen los días mientras ensaya con su banda de rock, vaga por las calles buscando con quien encontrarse, evade la confesión de su amor hacia Andrea al mismo tiempo que evita el encierro en su casa, que hace tiempo no es un hogar. Porque como todo el tiempo y como en todas partes, no hay nadie allá́ afuera y aquí́ no pasa nada.

Proyecciones

Cines Aldama 19 de Julio 16 horas San Miguel de Allende. 

Auditorio del Estado 24 de Julio 14 horas Guanajuato.



Inercia
Director: Isabel Muñoz Cota Callejas
Producción: Henner Hofmann, Liliana Pardo, Karla Bukantz 
Producción Ejecutiva: CCC



Sinopsis
En la sala de urgencias de un hospital Lucía se encuentra con Felipe, un novio del pasado que está internado. Sin proponérselo terminara cuidándolo durante días, cerrando así una historia pendiente.

Proyecciones

Cinemex 21 de Julio 12 horas San Miguel de Allende. 

Cinemex 24 de Julio 16 horas Guanajuato.



Dios nunca muere
Director: Santiago Mohar
Producción: María José García
Producción Ejecutiva: Uriel Wisnia, El Dedo en el Ojo



Sinopsis
Fernando y Lucía se conocen, se enamoran y huyen. Como en las películas. Ella tiene un Padre que la maltrata. Él tiene el plan: matarle y huir a la montaña. Salir del hastío de sus vidas terrenales tiene un precio alto. La película de Fernando y Lucía no será la que ellos pensaban.

Proyecciones

Teatro Ángela Peralta 21 de Julio 19 horas San Miguel de Allende. 

Cinemex, 25 de Julio 18 horas Guanajuato.

Más información en: www.giff.mx

Mauricio O.

Información: GIFF 

miércoles, 17 de julio de 2013

Misma formula animada

Después de tres años años llega la segunda parte de la serie de películas animadas Despicable me ("Mi villano favorito" es el nombre con el que la podemos encontrar en las salas de nuestro país). Una vez más dirigida por los directores Pierre Coffin (Despicable me) y Chris Renaud (The Lorax, Despicable Me), quienes dentro de las cuestiones técnicas realizan un trabajo muy parecido al que mostraron en la película previa a ésta.

El guión corrió a cargo de los mismos guionistas que crearon la predecesora de esta cinta. Ken Daurio (Horton Hears a Who, Despicable me, The Lorax) y de Cinco Paul (Horton Hears a Who, Despicable me, The Lorax), en verdad la historia es una muy floja continuación de la historia previa, sin embargo se nota que prestaron atención a las bromas estereotipadas y aisladas con el único fin de hacer al público reír, y por lo mismo volviendo a hacer uso de los tan llamativos "minions". Quienes parece que continuaran con las aventuras dejando a Gru y a sus hijas adoptivas como personajes en un plano secundario.

Las voces originales fueron prestadas por Steve Carell (The 40 years old virgin, Crazy, stupid, love, Seeking a friend for the end of the world), Kristen Wiig (Bridesmaids, Despicable me, How to train your dragon) y Benjamin Bratt (Miss Congeniality, Cloudy with a chance of meatballs, Traffic), entre otros. 

Sin embargo para el doblaje al español volvió a elaborarse con la voz de Andrés Bustamante, quien da vida a Gru. Y por su parte Andrea Legarreta, quien a pesar de mis prejuicios iba bastante bien con el personaje a quien le da vida (bastante gritón y con la cabeza hueca). Y para dar vida al villano de esta nueva edición podemos escuchar de la voz de Alejandro Fernández, como su primer doblaje en películas animadas, hace un esfuerzo que le da un toque de comicidad bastante certero a la película, sin embargo, se nota que no es su actividad más fuerte.

En realidad "Mi villano favorito 2" no es una película que aporta nada, la secuencia con la que conecta con su antecesora es muy ligera y se siente incluso como una película aparte, las premisas que maneja son realmente absurdas que hasta para un niño son absurdas, el doblaje está bien pero nada realmente digno de remarcar, sin embargo es una película que guarda en general un ambiente cómico, con una animación muy colorida y limpia,  que envuelve bromas bobas, simples, estereotipadas y hace un uso excesivo de los elementos que funcionaron en la película anterior (la ternura de las niñas, los minions, las bromas absurdas y la burla por medio de violencia física. Es una película que bien te puede hacer reír y pasar un buen rato, pero en la que no encontrarás nada en especial.      

Acá les dejamos el avance cinematográfica para que se den una idea de lo que verán en la cinta animada. 




Mauricio O.
@Eralvy 

Imagen: www.musicworldmx.com
Video: www.youtube.com/universalpicturesmx

sábado, 13 de julio de 2013

La soledad y el olvido

Llega a las salas de cine comercial la película de la directora mexicana Natalia Beristáin, egresada de El Centro de Capacitación Cinematográfica, nos presenta su ópera prima titulada "No quiero dormir sola" que engloba de una manera sensible y delicada temas como la soledad y el paso de los años por medio de una historia que la misma realizadora ha calificado como una historia cercana a su historia personal.

La cinta fue galardonada con el premio para mejor largometraje en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia y se ha abierto paso en festivales de cine a lo largo del mundo, tales como Venecia, Sao Paulo, Australia y Gijón, entre otros. El estreno de la cinta se desarrolló simultáneamente en internet y con 18 copias que recorrerán el país. 

El guión fue elaborado por Natalia Beristáin, y trabajó de la mano de Gabriela Vidal (Familia Tortuga) y se basaron en una historia muy cercana a la vida personal de Beristáin. Quien dejó plasmada su empatía, sus experiencias y su cercanía emocional para tratar de llevarnos a través de temas como la soledad, el paso de los años y el padecimiento del Alzheimer. Mediante una reflexión audiovisual que nos lleva por una montaña rusa de sentimientos la película nos ayuda a sentir la manera en que se entrelazan las historias de una abuela y su nieta que pareciera que lo único que comparten son sus problemas para conciliar el sueño.  

Las actuaciones ayudan a crear empatía y cercanía con los personajes. Mariana Gaja (Sin ton ni Sonia, Alta infidelidad, A través del silencio), da vida a una joven quien vuelca su vida a cuidar de su abuela con problemas de salud, guardando un fiel vinculo con ella que deja entrever un gran camino de autoconocimiento y una sensibilización que toma forma incluso por un problema compartido.  

Por su parte Adriana Roel (Chucho el roto, Días de Otoño, Amor letra por letra), de una forma magnifica da vida a una mujer de edad avanzada con Alzheimer, problemas de alcohol y sueño, pero que además pareciera que intenta ilustrar como se desarrolla el paso del tiempo y la manera en que los seres humanos nos hemos desprendido del aprecio de los ancianos y sus recuerdos, volviéndolos casi desechables e indispensables.  

La Fotografía de Dariela Ludlow ayuda a que la obra de Beristáin guarde una cercanía sensorial con el espectador permitiendo comprender según pasan los minutos la forma en que los personajes se van desenvolviendo. Lo cual queda más concreto gracias al trabajo de Miguel Schverdfinger en el montaje.

En términos generales la ópera prima de la realizadora mexicana es una muy buena opción audiovisual que toca un tema crudo y lleno de tirones emocionales que se ven bien basados en una producción técnica, logrando reforzar y completar por medio de un montaje ágil que no divaga, pero que si permite disfrutar secuencias bien elaboradas. 

Acá les dejamos el avance cinematográfico de la cinta de Beristáin.




Mauricio O.
@Eralvy

Imagen: www.elccc.com.mx
Video: www.youtube.com/Cananadistribución