Al puro estilo Boyle

Es bien sabido que directores de cine tienen un control casi perfecto o perfecto sobre las decisiones que hay que tomar a la hora de filmar. Danny Boyle se ha sabido posicionar entre estos de una manera sublime. El británico nos presenta su más reciente producción titulada 127 hours (127 horas) donde nos vuelve a dejar claro que no tiene miedo de experimentar con la cámara y la narrativa simultáneamente a la hora de hacer su trabajo.

127 horas se vuelve una película magnifica por la forma en que te lleva minuto a minuto. Casi siempre le otorgo las palmas a una sola persona por el maravilloso trabajo que hace, sin embargo en esta ocasión es mi deber resaltar el impresionante trabajo que realiza todo el equipo, desde los actores, hasta el maquillista.

Danny Boyle siempre ha tratado de contar historias con una narrativa que juegue con el tiempo y los espacios, que te traiga y te lleve de un lugar o un tiempo en concreto a otro. En este largometraje lo hace una vez más, pero además le agrega un elemento más, situaciones reales e imaginarias; hace una danza visual entre tiempos, espacios y realidades mezcladas “aleatoriamente” creando una impresionante muestra de dominio de la dirección, además de que se hace valer de elementos meramente visuales para connotar estados de animo o físicos. De tal manera que te hace sentirte el personaje principal y te hace vivir lo que el vive.

Resalta la esplendida fotografía, el soundtrack no sólo es maravilloso, sino que va guiando a tu estado de animo influyendo tu sensación que al mezclarse con la parte visual crean un boom inevitable, también el diseño sonoro queda muy bien y se nota un cuidado minucioso. El director de montaje y edición seguramente debió de haber tenido un enorme y aplastante trabajo, pero se nota un gran trabajo, aunque casi al final hay algunos muy notorios errores de continuidad (a cualquiera se le escapan).

La actuación de James Franco es muy buena y se vuelve una pieza clave, le aporta una sensibilidad envolvente que te pone en la cinta y que mezclado con las tomas dinámicas y los encuadres cerrados resalta una capacidad histriónica de Franco que sobresale para mi frente a sus otras películas.

El guión fue realizado por Danny Boyle y Simon Beaufoy, basados en el libro de Aron Ralston, donde cuenta su experiencia personal en la que se basa la trama. Quizás es lo que tenga un poco menos importancia, no digo que sea malo, de hecho el mensaje principal que te intenta dejar y que comunica es increíble, que si en algún momento has pasado por una situación similar te hace familiarizarte con el personaje y con el argumento, pero eso es otra cosa. En general es bueno el guión pero hay momentos en que llega a ser repetitivo e incluso predecible, pero Boyle hace que con las tomas y los movimientos de cámara rápidos, los pocos diálogos y los saltos de tiempo no puedas prestar tanta atención a estos mínimos detalles.

No me cabe duda que esta cinta no te va a defraudar y te va a mandar a casa con un muy buen sabor de boca, porque es simplemente un agasaje visual, quizás no la mejor película (aunque así pueda parecer después de todo lo que dije) pero es muy sencilla y se disfruta bien.

Pero véanla y ustedes saquen conclusiones

Mauricio O.

Imagen: bassonian.files.wordpress.com

Trailer: Youtube.com

Desconocerás al hombre de tus sueños

You will meet a tall dark stranger es el titulo de la más reciente cinta de Woody Allen, donde nuevamente participa como director y guionista, en esta cinta se vuelve a trasladar a los escenarios nubosos y tradicionales de Londres, donde con la ayuda de actores de gran talla internacional (como últimamente ha preferido hacer) realiza una nueva historia donde las historias de amor complicado nos llevan a situaciones increíbles.

"Conocerás al hombre de tus sueños" (como se le llamo en México) es una historia que habla de las relaciones de pareja en varios niveles y diferentes escenarios, desde los más dramáticos hasta los más cómicos, regalándote en poco más de una hora y media una pintura de como se vive el amor en la contemporaneidad.

Para mi gusto esta cinta no es la mejor de Woody Allen, por no decidir que me pareció una cinta de la cual esperaba más y que me llego a decepcionar un poco, no digo que no me gusto o que no la disfruté, sólo creo que le faltó más efecto Woody Allen, quizás es el hecho de que la combinación: Historias de amor en Europa + Woody Allen se está volviendo un tanto recurrente en los guiones del escritor de Annie Hall.

Las actuaciones son buenas, debo aceptar que fue difícil ver a Anthony Hopkins, Antonio Banderas y a Josh Brolin en un largometraje del director de "Bananas", pero se ve un buen trabajo por todos, aunque para mi gusto las palmas se las lleva Gemma Jones y Naomi Watts porque pueden mostrarte la comedia dentro de un drama sin que se manche el uno del otro, pero sin que se vea átono.

Eso si, en lo personal espero que Allen nunca más vuelva a trabajar con Antonio Banderas, o por lo menos que no lo ponga a hablar otro idioma que no sea el castellano, hay que aceptarlo Banderas no cuadra con Allen como lo hizo Bardem en Vicky Cristina Barcelona. Hay duplas actor-director que funcionan, a Banderas le funciona con Almodovar, pero no con Woody.

El soundtrack, como siempre en las cintas del neoyorquino está compuesto por algunas melodías clásicas y jazz que le aporta ritmo y comicidad a cada encuadre.

En general la película es buena pero no está dirigida para todo el público, es una cinta que sólo disfrutarán aquellos que conocen y disfrutan del trabajo del cineasta. Este largometraje yo lo recomendaría para ellos. Si el trabajo de Allen no es mucho de tu agrado será mejor que no la vayas a ver o saldrás de la sala del cine a la mitad de la película y con una indigestión. Si por el contrario disfrutas de las temáticas Allenescas puedo asegurar que saldrás de la sala de cine con una sonrisa en la cara y con una sensación de bienestar, o por lo menos de no haber malgastado tu tiempo, pero te recomiendo que no te llenes tampoco de muchas esperanzas.

Mauricio O.

imagen: Moviesummary.net

Video: Youtube.com

De vuelta a los rascacielos y problemas existenciales

En el 2009 Woody Allen decidió volver a su ciudad natal, las calles de Manhattan lo recibieron con los brazos abiertos para permitirle realizar un largometraje después de un periodo de tiempo filmando en el extranjero, Europa para ser más concreto.

Whatever Works (Si la cosa funciona) es el titulo de dicha cinta que no se estreno en los cines mexicanos hasta apenas este año (o por lo menos eso tenía entendido), algunas salas de nuestro país serán testigos de esta "nueva" cinta del creador neoyorquino, por eso es que aprovechamos este acontecimiento para poder dar una opinión para los que tuvimos el placer de obtener acceso a una proyección, esperando que todos ustedes puedan, por fin, disfrutar de esta comedia Allenesca donde retoma las calles de Manhattan como escenario y personaje.

Escrita y dirigida por Woody Allen, como es costumbre desde hace muchos años, nos presenta una comedia con un humor acido (un poco más de lo que estábamos acostumbrados a ver que envuelve temáticas muy populares en los largometrajes del realizador norteamericano.

Amor, relaciones de pareja, sexo, problemas existenciales, personajes fuera de serie y mucha diversión es lo que nos ofrece Whatever Works.

La actuación de Larry David y de Ewan Rachel Wood realizan un maravilloso ensamble que te lleva a través de una cinta llena de situaciones y te las hacen vivir, le aportan el delicioso grado de comedia obscura que se manifiesta en la película.

No cabe duda de que no es la mejor cinta de Allen, sin embargo es una película que sin duda te divertirá y te volverá a llenar de un Manhattan artístico, melancólico y divertido acompañado del jazz clásico que ameniza todas las películas del creador de los anteojos de marco grueso.

Las críticas han dicho que quizás es de las peores cintas de Woody Allen, pero yo no sé si podría sostener algo TAN fuerte, me queda claro que no es la cinta más brillante ni con mayor tratamiento de guión, pero yo he preferido calificarla como "un gesto cinematográfico divertido envuelto en un respiro que ilustra el reencuentro entre Manhattan y su más conocido fan... Woody Allen".

La decisión de es ustedes ¿la van a ver o no?

Mauricio O.

Imagen: Notasdecine.es

Video: Youtube

Discurso digno de un rey

The King´s Speech (el discurso del rey) es la cinta más reciente del director ingles Tom Hooper y que le hizo merecedor del premio de la academia para mejor director. La cinta igualmente se hizo acreedora del Academy Award a mejor película, y de igual forma el guión, el cual corrió a cargo de David Seidler y cuenta la historia de los problemas del rey Jorge VI para dirigirse al pueblo debido a sus problemas de habla y como logra superarlo.

El reparto está encabezado por Colin Firth, Geoffrey Rush y Helena Bonham Carter, un trio escénico que cuadra muy bien y que hace un maravilloso trabajo, sin embargo yo sentí que le faltaba algo, deja satisfecho pero con una necesidad de un poquito más, incluso llegue a pensar que la actuación de Geoffrey Rush era más sincera y llena de emoción que la de Colin Firth, quien cabe mencionar, también se llevo el Oscar a la mejor actuación masculina en la última edición de dichos premios.

Pero para mi gusto la pareja de Tom Hooper y Danny Cohen quien fue el director de fotografía, hacen que las imágenes te vayan abrumando de una manera positiva donde cada encuadre se vuelve una bellísima imagen que te dejan contemplar de una manera delicada para disolver cualquier cuestión extra a la dirección y a la fotografía. Y ahora que he tocado el tema de la dirección, me gustaría hacer una observación muy personal que en mi caso es el motivo por el cual yo considero que la cinta es una bellísima obra y que te hace disfrutarla desde el principio hasta el fin.

El cine en los últimos años se ha dejado llevar por una corriente aunada a la era tecnológica, donde los efectos especiales son el actor principal de la gran mayoría de producciones cinematográficas, dejando a un lado las historias, las cuales también se han visto afectadas, buscando cada vez recursos más confusos y tramas llenas de nudos extravagantes que te obliguen a ver las películas más de una vez. Y creo yo que lo que hace “The King´s Speech” es volver a los inicios del cine con unas “restauraciones” visuales que desde luego antes no existían, ahora me explico. El cine comienza con grabaciones que hacían sentir a la gente lo que veían, las hacían vivir las historias, historias sencillas pero irreales para algunos, antes la gente corría de un tren que venia contra de ellos en una pantalla, hubo un tiempo cuando la gente lloraba cuando veía a un hombre convirtiéndose en ladrón frente a su hijo por tratar de alimentar a su familia, ahora la gente sólo vomita cuando ve a un pseudo hombre de color azul volando en algo parecido a un dragón. Y lo que hace “The King´s Speech” es elegir una historia simple, tanto como dar un discurso, estructura la cinta de manera lineal pero con un bamboleo delicado que dote de dinamismo la historia, elige los planos, encuadres y tomas necesarias, no se molesta en meter elementos innecesarios para llenar tiempo, mejor opta por embellecer los que ya tiene. De esta manera te introduce a la película, te hace incluso sentir esa impotencia de no poder con el silencio durante un discurso frente a los sublevados, cumple con el objetivo, nos introduce en una situación que muy pocos de nosotros tendremos el placer de vivir, y nos hace vivir mirando desde los zapatos de un rey en tiempos de guerra.

Para mi gusto esta película vuelve a lo que los hermanos Lumiere tenían en mente cuando crearon el cinematógrafo, hacer que la gente sintiera una realidad diferente a la que podría vivir de una manera visual. Quizás la historia no sea la mejor del mundo, quizás las actuaciones no sean merecedoras de un premio de la academia o incluso la música sea irrelevante, lo cual no digo que así sea, pero esta cinta vale la pena sólo por la maravillosa dirección y fotografía con la que cuenta.

En esta ocasión si me pongo de pie y le doy un aplauso a Tom Hooper y a su equipo por entregarnos esta obra visual deleitante y agasajadora que te va llenando las pupilas desde la primera imagen hasta la última.

Quiero aclarar que con esto no estoy diciendo que es la mejor película de la historia del cine, lo único que quiero es recalcar la excelente realización con la que cuenta sin necesidad de mucho. Para mi gusto es una grandiosa recomendación para ir a ver al cine, acá les dejo el trailer para ver si así se animan a verla y crear su propia opinión.

Mauricio O.

imagen: cinissimo.com

trailer: youtube.com

Black Swan vuela alto MUY alto

Intensa y estremecedora, simplemente esos dos adjetivos tengo para describir la nueva cinta de Darren Aronofsky “Black Swan” o el cisne negro como la titularon en España.

Una cinta maravillosa, con una producción impresionante, una dirección digna de un maestro y de un genio, que por medio de las imágenes supo llevar está “locura” hasta lo más alto posible y que cuadra perfectamente con la actuación sublime de Natalie Portman, simplemente la puedo describir a ella misma como una obra de ballet, perfecta y delicada, ella es la película, entregada totalmente al papel, definitivamente digna ganadora del Academy Award, Portman les hizo el trabajo sencillo a los hombres de la academia, nos dio una actuación magistral. Winona Ryder en la película lo que viene a hacer es reafirmar que aunque aparezca escasos diez minutos o menos, sus actuación es impresionante.

El señor Aronofsky lo único que tuvo que hacer fue poner ese toque tan característico y con tanta fuerza sentimental que sus tomas entrelazan en cada escena que filma, te hace introducirte en la película y vivir las situaciones, sin embargo para mi gusto le pudo sacar mucho más jugo al juego de la dualidad que existe, la cual en la mayor parte de la cinta se soluciona por medio de los colores, las situaciones están bien planteadas por los escritorios por los señores Mark Heyman, John McLaughlin y Andrés Heinz, este último fue el dador de vida de la historia en la que el guión se basa y que con una narrativa un tanto elaborada, hace que no puedas apartar la mirada de la pantalla, quizás con algunos detalles que se descuidan y que se dejan algunos detalles sueltos con los que se pudo haber mostrado más intensidad, claro, esto a mi parecer, y no me parece que le reste fuerza a la cinta, sólo como pequeña observación.

El señor Tchaikovski aun después de tantos años en que compuso esas suculentas melodías que se utilizan en el largometraje de más de ciento veinte minutos lo que hace es llenar de intensidad y de ritmo cada paso de Natalie Portman, cada encuadre de Aronofsky, cada impresionante fotografía de Matthew Libatique para que todo quede como una pieza de ballet. Perfecta.

Sin duda alguna ahora se porque la bellísima Natalie Portman se hizo merecedora del premio que otorga la academia, aunque en está cinta ya comienzan a verse las mínimas marcas de la edad en su rostro, en su cuerpo y energía no se aprecia lo mismo.

Una recomendación para los amantes del cine que tengan ganas de entrar a un rincón de la mente de Aronofsky para ver desde primera fila una maravillosa y sin duda riquísima obra del cine contemporáneo, de la que sin duda no saldrán decepcionados aunque se mentalicen previamente de que no puede ser tan buena como todos dicen (lo digo por experiencia propia).

Mauricio O.

Imagen: cine1fz.blogspot.com

Trailer: youtube.com

Luchando por el Oscar

Sin duda Darren Aronofsky sabía que no iba a perder nada cuando decidió participar como productor ejecutivo del nuevo film de David O. Rusell “The Fighter”. Realmente no se como explicar esto, voy a tratar de hacerme entender en la mayor medida de lo posible.

La cinta para mi fue como una pelea de box, todo pasa muy rápido y puede que uno de los contendientes (la película) parece que está a punto de caerse a la lona y perder la lucha pero de repente se pone de pie y te da un gancho a la barbilla y te hace perder caer y sentirte todo golpeado, sin embargo te deja consciente y con una sensación de haber vivido cada momento que te plantea.

A lo que me refiero con esta comparación es que la película comienza para mi gusto de manera muy lenta e incluso puedo decir que deje de prestarle atención la primera vez que la vi, pero después de la primera media hora de cinta te envuelve y no te da un respiro, te hace que tu cuerpo trate de rescatar todo lo que registro de la primera media hora y te hace vivir la película, te hace sentir el esfuerzo del personaje principal y te hace reaccionar con él.

Las interpretaciones de Mark Wahlberg y Christian Bale son muy buenas, yo diría que Bale sobresale más que Wahlberg pero hay momentos en que wahlberg hace que te sientas en el cuadrilátero recibiendo los golpes junto a él. Amy Adams para mi gusto le falta mucho para poder llegar a ser como las grandes, en está cinta lo único bueno que muestra es su cuerpo en ropa interior porque su actuación deja mucho que desear, sin embargo el papel de Melissa Leo como la mamá de Micky Ward (Mark Wahlberg) es maravilloso y se nota como una actriz puede hacer que un personaje no sólo tome vida sino que se ponga al frente del reparto con una mirada que te deja con la boca abierta.

Scott Silver, Eric Johnson y Paul Tamasy hacen un maravilloso trabajo con el guión, con una narrativa muy simple pero que fluye deliciosamente a lo largo de las casi dos horas de cinta. Aunque debo admitir que hay detalles que yo sentí que eran muy similares a la cinta de “The Wrestler” de Aronofsky, para empezar la música fue demasiado “Born in USA” sólo que Rusell no utilizó a Springsten en el OST. Fuera de la música hay algunas escenas que en verdad pensaba que iban a cambiar a Wahlberg por Rourke y que en vez de box iba a ser lucha libre. Sin embargo no con esto aseguro que es mala ni mucho menos, sólo digo que en muchas ocasiones se siente una fuerte influencia de Aronofsky y su experiencia con su cinta.

Desde luego no fue la película galardonada con el Academy Award, sin embargo estoy seguro que es una muy buena opción para ir a mirar al cine, se disfruta mucho y repito fluye de manera que no te canses, bueno sólo como buen consejo que les puedo dar, presten atención al principio, quizás puede parecer cansado pero después se pueden arrepentir de no haber prestado atención y terminarán de verla más de una vez como fue mi caso.

Mauricio O.

imagen: ranahammad.wordpress.com

trailer: youtube.com

Un reflejo social hasta en la lluvia.

La cineasta madrileña Icíar Bollaín ("Mataharis" y "Te doy mis ojos") nos acerca por medio de su cinta más reciente titulada "También la lluvia" a una problemática que se lleva a cabo en Bolivia por la privatización del agua, el guión de Paul Laverty (Buscando a Eric) nos cuenta una historia que habla como una problema de unos cuantos se convierte en problema de todos. La cinta cuenta con 13 nominaciones a los premios Goya entre los que figuran: Mejor película, mejor dirección y mejor actor.

Y quiero recalcar en este momento que presten mucha atención a los diálogos, son apabullantes y certeros.

La cinta se realiza con la colaboración de España, Francia y México, contando con una maravillosa fotografía que corre a cuenta de Alex Catalán y que muestra de una forma deliciosa los escenarios de Bolivia que llenos de colores y un perfecto manejo sentimental llenan nuestros sentidos de tal manera que cumple con el objetivo de incomodarnos y querer saltar de la butaca para ser participe de la cinta.

EL elenco se encabeza por el mexicano Gael Garcia Bernal ("Y tu mamá también" y "Amores perros") y por el español Luis Tosar ("Los lunes al sol" y "Los limites del control") seguidos por un gran equipo de actores que realizan una interpretación que te llega a dejar sin aliento y te transmiten el sentimiento que ellos viven.

Saben que no me gusta contar la sinopsis de las películas porque se corre el riesgo de que la gente se sienta influenciada con unas cuantas frases que les puedo escribir, sin embargo creo que está vez es necesario que lo haga para que se entienda mejor lo que tengo que decir.

El largometraje de 103 minutos nos narra visualmente la historia de una producción cinematográfica que pretende hacer una película histórica sobre la llegada de Colón a America y el proceso posterior a esto, sin embargo por motivos de la violencia que se desata en Bolivia por una problemática que tienen los habitantes con el gobierno sobre la privatización del agua se complica la realización de la película aportando un giro en la historia.

La cinta nos muestra una comparación entre la problemática social actual de Bolivia (pero que se le puede dar una lectura desde toda Latinoamérica quizás con diferentes perspectivas) y al mismo tiempo nos cuenta de una manera suave la historia que se conoce del arribo de Colón y de la fase de modificación de la ideología de los nativos de Bolivia, desde luego tocando el tema de la esclavitud y las matanzas que se realizaron. Todo esto esquematizado de tal manera que se muestre un reflejo de la violencia que se vive actualmente y la de aquel tiempo.

Una cinta que sin duda te tiene al borde de un ataque, y que seguramente disfrutaras ya que no sólo tiene un tema muy interesante, sino que está muy bien realizada, cuidando todos los detalles para dejarnos con la boca abierta.

Espero en verdad que tengan la oportunidad de verla, estoy seguro que no se van a arrepentir... de lo contrario podríamos saber su opinión

Acá les dejamos el trailer de la película:

Mauricio O.

Imagen: unaimagenunahistoria.blogspot.com

Trailer: Youtube.com